sábado, 28 de diciembre de 2013

Red Hot Chili Peppers - I’m With You (2011)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Todos los años me sucede, o esa impresión me da, así que a toro pasado y con antelación, les felicito la Navidad y les deseo un buen 2014; en el post de promoción del programa sobre Loquillo Y Trogloditas de la semana pasada no dije nada y no me parece educado. Voy a tratar hoy del último disco, hasta la fecha, de Red Hot Chili Peppers. Quizás sea el disco que menos me convenza de la banda desde “One Hot Minute”. Y es que yo soy uno de los que considera que la marcha de John Frusciante no es baladí; de hecho, su retorno para “Californication”, a la vista está, resultó muy bueno.

Bueno, pues tras el excesivo, pero correcto en líneas generales “Stadium Arcadium”, Kiedis, Flea y Chad Smith reclutaban a Josh Klinghoffer para sustituir a las guitarras de Frusci. RHCP en la última década se han convertido en una banda de masas. Quien haya acudido a alguna de las giras de sus últimos discos, lo puede constatar.

“Californication” está considerado como un gran disco, que lo es, y quizás ni “By The Way” ni “Stadium Arcadium” hayan obtenido unos favores de valoración general tan altos como los del disco de 1999 de la banda. No obstante, yo soy ferviente defensor de ambos, sobre todo de “By The Way”, que recordemos fue el primer disco del grupo que tratamos en revisión en “Discos, música y reflexiones”.

“Stadium Arcadium” en parte me recuerda al “Sandinista!” de los The Clash. Un disco doble, que simplemente por el listado tan amplio de canciones y su extensión, se puede hacer algo agreste, pero que si hubiera sido concebido como un disco de 10-11 canciones, estaría cercano del nivel de excelencia de “Californication”. Normalmente, RHCP son generosos en el track list de sus trabajos, pero con su penúltimo disco quizás la generosidad se les fue de las manos.

Llega la marcha de John Frusciante y parece ser que la estructura del grupo apenas se alteró; está claro que la posición del grupo y sobre todo el estado más centrado de Anthony Kiedis son más equilibrados y solventes que los que vivía el grupo en mitad de la década de los 90, donde tantos problemas surgieron en días colindantes del “One Hot Minute”, cuando John era sustituido por Dave Navarro. Y 2011 comprueba la continuidad del grupo con “I’m With You”, de terrible portada, con esa mosca y pastilla sobre fondo blanco. Su contenido es controvertido y da para hablar. De momento pasemos a analizar sus canciones y en las reflexiones finales les emito nuestro particular y siempre discutible (por supuesto) veredicto.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Monarchy of roses”: “I’m With You” comienza con falsas expectativas. Las que genera una de sus mejores canciones. “Monarchy of roses” fue además el 2º single del disco. Muestra a los Red Hot más gloriosos, con un ritmo vertiginoso sobre todo en el estribillo, con una de las líneas de bajo tan saltarinas y válidas a cargo de Flea. Incluye las dosis justas de guitarra farragosa, pero destaca sobre todo su gran ritmo. Dispuso de un videoclip de animación adaptada, muy expresivo en los elementos que acompañaban a la representación del grupo. Quizás solamente por habernos regalado esta canción, “I’m With You” ya haya merecido la pena.

2. “Factory of faith”: Comenzamos ya a meternos en el territorio de canciones que sin sonar mal, no emocionan. “Factory of faith” puede funcionar perfectamente como delegada de varias canciones de este disco, ya que no tiene gancho melódico ni ese punto emocionante que saben sacar los Red Hot Chili Peppers se pongan como se pongan. De estribillo algo más intenso que las estrofas, donde vuelve a salvar los muebles Flea y el marcado sonido de su bajo.

3. “Brendan’s death song”: Se recupera el vuelo en parte con “Brendan’s death song”. Poniéndose más emotivos y melódicos, con un Anthony Kiedis en registro vocal desnudo al inicio, RHCP dibujan una canción de cierta belleza. No encontraremos muchas de este estilo en el disco, cosa normal, ya que la banda no se caracteriza por moverse demasiado en este terreno.

4. “Ethiopia”: Retornamos a la tierra de nadie con “Etiophia”. El estribillo no es para nada memorable y las estrofas solamente llaman la atención por ese deletreo tan acusado que nos suelta Kiedis. En el lado positivo, quizás sea uno de los mejores pasajes guitarreros de Josh Klinghoffer en este disco (no en el plano divista, sino en lo sutil).

5. “Annie wants a baby”: Con “Annie wants a baby” RHCP no es que nos ofrezcan una maravilla de canción, pero su calma y seriedad le dan un factor diferencial claro. Hay un buen diálogo entre las cuerdas de bajo y guitarra. De alguna manera, tiene un sonido de cierto misterio en las estrofas bastante válido. El puente hacia el estribillo también lo considero acertado. Quizás en otro disco de la banda no destacara tanto, pero dentro de “I’m With You” suena solvente.

6. “Look around”: Sin ser una especial maravilla, “Look around” se agradece en este disco. De hecho, ha sido uno de los singles del disco. Los Red Hot le meten caña, con otra vez un destacable papel en las guitarras de Josh Klinghoffer. El videoclip es cuanto menos curioso, con cambios de habitación y escenas, de forma muy divertida. Un tema rítmico, disfrutable y reconocible dentro del estilo de la banda.

7. “The adventures of Rain Dance Maggie”: Seguimos con otro single, en este caso el primero del disco. Y creo que fue un error que fuera el primer single. Hubiera sido mucho mejor dar ese honor a “Monarchy of roses”, pero fue “The adventures of Rain Dance Maggie” la que se llevó el gato al agua. No está mal, pero no creo que tenga los valores suficientes como para ser el primer single del disco. Hay acordes de la guitarra en el estribillo que suenan realmente bien. Por lo demás, es pasable. Su videoclip, rodado con el grupo tocando en el tejado de un edificio en primera línea de playa californiana, sí que fue atinado. Ahí fue la primera vez que vi a Anthony Kiedis con su nuevo y rotundo bigotazo que se dejó para este disco. 
8. “Did I let you know”: “Did I let you know” fue de las primeras que me llamaron la atención en las primeras escuchas que le di al disco al poco de salir a la venta, cuando me hice con él. Destacan los coros que acompañan claramente a Anthony en el estribillo. Sus acordes son muy cálidos y sensuales. Se incluyen incluso ciertos elementos de viento, que lejos de sonar pachangueros, le dan más calidez al tema. Una canción bailable, agradable, que no suena estridente y en el que no vemos a los RHCP naufragar a la hora de evitar resultar anodinos, cosa que en varios temas de “I’m With You” sí sucede.

9. “Goodbye hooray”: De lo cálido y sensual, pasamos al latigazo rockero de “Goodbye hooray”. Es quizás el tema más rockero e intenso en guitarras del disco. Se vuelve a apreciar la falta de gancho melódico. Ésta es una canción acelerada y atropellada, que guarda algo de gracia en su estribillo, pero sin que podamos tirar las campanas al vuelo. No obstante, hay una parte instrumental de virtuosismo de Flea al bajo que merece la pena escuchar, al igual que el cambio de ritmo onírico que le sigue.

10. “Happiness loves company”: Medio tiempo fallido es “Happiness loves company”. La canción carece de gracia de ningún tipo. Es de los pasajes más fácilmente olvidables del disco y otro paradigma de falta de inspiración de los RHCP en el proceso compositivo de este disco. Un tema de relleno de esos que sin hacer daño a los oídos, pasa desapercibido (y muchas veces es peor para una canción resultar indiferente que al menos llamar la atención de forma negativa y jocosa, como le pasaba a “Give me it” del “The Top” de The Cure).

11. “Police station”: Otro ejemplo de tema de relleno es “Police station”. Salvo un sector de piano muy íntimo que incluye en su mitad, es otra canción del estilo de la anterior. Fácilmente olvidable y que suma en el peso de la balanza que lleva a “I’m With You” al sector de discos descafeinados. Ni su estribillo es memorable, ni sus estrofas. Lo que más me gustan son los coros que acompañan a Kiedis en el estribillo y esas notas de teclado que le dan algo de caché a esta pista fácilmente olvidable.

12. “Even you Brutus”: Desde su título llama la atención “Even you Brutus”. Destaca mucho por poder escuchar a un Anthony Kiedis muy combativo y rapero al micrófono. Mejora algo el nivel del disco, pero nuevamente estaríamos ante una mera comparsa en otros discos. El estribillo es directo y no busca enrevesarse. Contrasta mucho la rudeza de unas secciones con otras menos intensas. La aprobamos.

13. “Meet me at the corner”: Red Hot Chili Peppers se ponen íntimos con “Meet me at the corner”. Un tema que está bien, ya que la banda sobre todo ha fallado en los momentos en los que ha buscado ser rítmicos y moviditos (muy preocupante), pero sin embargo en otros terrenos, como sucedía en “Brendan’s death song”, han estado moderadamente acertados. Ayuda en este tramo final a que nos quedemos con un mejor sabor de boca. Lo que pasa es que ha habido tanto momento anodino que eso es igualmente tarea difícil.

14. “Dance, dance, dance”: Me recuerda en parte a la sublime “Cabron” de “By The Way” la última canción “Dance, dance, dance”, sobre todo por sus notas cálidas y tropicales. Una canción desenfadada y alegre, que intenta igual que la predecesora enmendar el resultado global del disco. Da la impresión de que es al final del disco donde el grupo parece haber dado con la tecla de inspiración. Esto al menos nos da un halo de esperanza y de pensar que este disco algo soso y sin gracia sea simplemente consecuencia de la reestructuración de la banda tras el nuevo abandono del barco por parte de John Frusciante. En definitiva, “Dance, dance, dance” nos dibuja una sonrisa para terminar este disco que a ratos se nos ha hecho algo plomizo.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
A nivel comercial, “I’m With You” les ha funcionado al grupo. RHCP sigue atrayendo a un grupo joven, que se va sumando a las generaciones previas de fans. La gira de presentación fue un nuevo éxito. Esta ocasión no fui a su concierto en Madrid (como sí había hecho en las 2 giras previas), pero el concierto fue igual de arrollador que la vez previa en el mismo sitio (Palacio de los Deportes) de 2006 y la de 2003 en el Palacio Vistalegre (un día en el que sin tener los pies en el suelo me movía de lado a lado en el coso taurino cubierto del barrio de Carabanchel).

Sin embargo, siendo exigentes con el contenido musical en sí del disco, estimo que es su obra más coja desde hace mucho tiempo. Cierto es que dispone de buen material y que el trabajo de un single tan cojonudo como “Monarchy of roses”, han hecho el efecto de cómo cuando se barre y se deja la suciedad debajo de la manta. Es decir, que a modo de singles muy bien, pero si se accede al disco en global, el resultado no es en media tan logrado, cosa que no sucedía en sus 3 discos anteriores (ni siquiera en el doble cd “Stadium Arcadium”).

Un patinazo a estas alturas, tras la solvencia discográfica ofrecida desde 1999 sin stop, se lo concedemos a Red Hot Chili Peppers. Ese margen lo tienen ganado de sobra. Veremos cuál será su siguiente paso discográfico, que a buen seguro no debe tardar mucho en ver la luz. Ahí podremos comprobar si RHCP saben funcionar a alto nivel sin Frusciante y este irregular “I’m With You” es simplemente resultado de la convulsión de la marcha de un tío que siempre dejaba su marca en las composiciones del grupo.

Les aseguro que he dejado el tiempo preciso para la asimilación del disco y lo he recuperado en varios momentos desde que lo abordé por 1ª vez al poco de ver la luz y mi juicio lo considero ya bastante asentado (en este caso, se me confirman las percepciones que tuve en las primeras escuchas; son muchas las ocasiones en las que he cambiado de parecer con respecto a un disco con el paso del tiempo y darle más escuchas separadas en el tiempo, pero con “I’m With You no ha sucedido así)

Lo que más miedo me da es que Red Hot Chili Peppers hayan llegado a ese punto de su trayectoria en el que se dediquen a sacar discos justificativos de gira mundial, al estilo de lo que hacen Depeche Mode y U2 desde que entramos en el nuevo milenio. Quizás sea el disco que ha recibido una crítica más dura por parte nuestra en la historia del blog (ya saben que aquí lo que proponemos es porque consideramos que merezca la pena que empleen su tiempo en escuchar un disco), pero si aún así lo proponemos es porque siempre es interesante escuchar un disco de Red Hot Chili Peppers y siempre hay algo salvable en su generoso listado de canciones.

Por ello, termino aclarando que tampoco es que considere a “I’m With You” como un disco horrible e infumable. No, ni mucho menos. Lo que quiero que les quede claro es que cualquiera de los discos desde “Blood Sugar Sex Magic” de los californianos (quizás menos “One Hot Minute”) es mucho más aprovechable que éste. Nada más y nada menos. Escúchenlo a fondo unas cuantas veces y si se ven con ánimos, dejen su comentario al pié del artículo.

Antes de acabar por esta semana, quiero hablar sobre nuestra vertiente radiofónica. Nuestro programa de radio está en el descanso navideño, habiéndose completado la 1ª mitad de la temporada número 5 con el programa del pasado sábado 21 de diciembre que dedicamos a Loquillo Y Trogloditas y su “Mientras Respiremos”. Si no lo escucharon en directo, podrán hacerlo este sábado 28 a las 16.00h en directo en RUAH (al igual que el siguiente, el 4 de enero) y los miércoles 1 y 8 de enero a las 23.00h en la misma sintonía. Regresaremos el sábado 11 de enero en directo a las 16.00h. Ya les hablaremos del programa que haremos y su contenido y en estos días navideños publicaremos el post con el audio insertado del programa sobre Marillion y “Misplaced Childhood”.
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jueves, 26 de diciembre de 2013

Concierto Cyan. Madrid (19-12-2013)

Hablábamos de lo simbólico de tocar pasado un tiempo en el mismo lugar, a efectos de cierre de ciclo para un grupo, cuando comentábamos en la crónica del último concierto de Second en Madrid el asunto de la repetición de escenario o recinto. Cyan pretendían que eso fuera distinto, pero el cierre de la sala Caracol se lo impidió, al igual que, en lo que a la fecha se refiere, el poder tocar el día 22 de noviembre de 2013, día previsto inicialmente. El concierto se retrasó al jueves 19 de diciembre (perdiendo el privilegio de tocar un viernes noche) y Cyan volvían a la sala El Sol, donde tuvieron un remarcable éxito en su concierto anterior en Madrid en la primavera pasada.
Cyan se presentaban a hora tardía (previsto su inicio de actuación para las 23.00h) y acompañados de una artista llamada Ana Muñoz. Nosotros llegamos pasadas las 22h y en la sesión previa al concierto nos llevamos la alegría de escuchar cosas como “Heaven knows I’m miserable now” de los Smiths o “Walking on the moon” de The Police. Miré a la cabina del dj y ahí estaba el señor Pablo Arribas, más conocido como Pichurra en el mundo musical, el cual se encargó de la sesión previa al concierto de Reikiavik de semanas atrás, también acertando aquel día en sus labores.
Puntual a su hora de comienzo, Ana Muñoz salió al escenario a las 22.30h, armada únicamente por su guitarra eléctrica en formato acústico y nos ofreció su música. Analizando melodía y parte vocal, destaca mucho la voz y la buena forma de cantar de Ana Muñoz. Destila un poso de melancolía y dulzura realmente especial. Las melodías fueron bastante atractivas en muchas de las canciones que interpretó, incluyendo alguna cover incluso. Solamente le vi algún fallo en lo instrumental en algunos pasajes que no sonaron muy bien de la guitarra, quizás demasiado distorsionada.
Cierto es que Ana, según salió al escenario, parecía que iba a disponer una actitud fría y algo distante con el público, aunque se curó en salud diciendo que las prisas y el tiempo le impedían ser más simpática, invitando al respetable a verla en otra ocasión para poder demostrarlo. La seriedad y el formato íntimo que propuso Ana Muñoz me intimidó en el sentido de que muchas de las imágenes que saqué las hice sin flash, para no molestarla lo más mínimo (de ahí lo movido de la primera de ella que les he insertado; fíjense en el mástil de la guitarra); luego Ana no resultó tan fría y distante como se podía imaginar al comienzo. Sonaba bien en general y bonito. 
Aquí tengo que enmendar al público, ya que el murmullo de la sala en sus conversaciones, en algunos momentos era insoportable y se comía el sonido de la propia Ana. Ella, de forma algo irónica, pero educada, lo dejó caer en otro de sus cortos discursos al público; razón no le faltaba. Se declaró fan de Cyan y de hecho se quedó en primera línea viendo las evoluciones de Javi Fernández y los suyos. Ana Muñoz nos gustó, porque en parte nos recordó algo su voz a la de Najwa y los que siguen “Discos, música y reflexiones” ya saben que soy admirador confeso de esta chica (por cierto: nuevo disco de Najwa inminente a comienzos de 2014; si tenemos opción de acudir a algún evento, les iremos comentando).
A eso de las 23.20h cambiaba la iluminación de la sala y sonaba la banda sonora de “El Padrino” a modo de intro. Pocos instantes después, salían a escena Cyan para sorprender al público con un comienzo de concierto con temas que no son de “Delapso”, último disco de este quinteto de Barcelona. Lo más notable fueron los fallos técnicos, sobre todo en el “no retorno” que sufría Javi Fernández, y que convulsionaron la actuación al menos hasta la 6ª canción. Poco a poco fueron apareciendo los temas de “Delapso”, que, con juicio asentado, estamos en condiciones de afirmar que es uno de los grandes discos del pop/rock nacional de este año 2013 que nos va dejando en estos días. Considero muy acertado que Cyan quisieran abrir boca con uno de sus temas ya antiguos más celebrados, “Turistas heridos”. A pesar de los fallos técnicos, sonó bien “Turistas heridos”, suponiendo un buen comienzo de actuación.
Se agradece que Cyan en directo expliquen o desentrañen las historias que cuentan. Si en su anterior visita a la sala El Sol nos explicaron la historia real de “Philippe Petit”, 2º single del disco y de hecho la primera pista que sonó del mismo en este concierto que les estamos contando, en esta ocasión era el turno de desentrañar el sentido de “Síndrome de París”. Ese síndrome viene derivado de las expectativas altas y a la postre defraudadas que podemos padecer sobre algo (es lo que los japoneses experimentaban al visitar París, tras las bonanzas exageradas descritas previamente a su visita sobre la capital francesa).
El grupo buscó que la experiencia fuera lo más distinta posible y con el margen de maniobra que les conceden sus 3 discos editados hasta la fecha, incluyeron algunas variaciones en el set list en tanto a la selección de canciones y sobre todo, muy importante en el plano efectista, se alteró mucho el orden de aparición de los temas. Creo que de “Delapso” sonaron todas las canciones, salvo “Enfilando tu hoguera”, que precisamente es el pasaje que menos nos llama la atención de este notable lp.
Se fueron guardando para el final trallazos como “Un colectivo de raro propósito”, que cada día que pasa se afianza como un clásico de Cyan, a pesar del poco tiempo que ha transcurrido desde que vio la luz, y por ejemplo el grupo decidió cerrar con “Solo es una herida”, que por otro lado es el último single hasta la fecha de “Delapso”. Cyan, de hecho, han estrenado su videoclip en las últimos semanas, el cual les recomendamos que vean, ya que es bastante curioso, aún sin llegar a lo excelso (por lo original y la técnica) del de “Un colectivo de raro propósito”.
Dentro del setlist elaborado para este jueves 19 de diciembre de 2013 en Madrid, los de Barcelona no quisieron prescindir de su buena versión de “Salitre” de Quique González. La misma supuso un combo de versiones en el tramo final de actuación junto a otra versión, muy arriesgada y personal, de “La leyenda del tiempo” del mítico Camarón. Javi, antes de comenzar, nos introdujo a la misma y apuntó que la hacían desde el máximo respeto.
Personalmente en “Discos, música y reflexiones” nos gusta mucho “Belva”. Por lógica, no faltó este trallazo que resulta en directo este remarcable tema de “Delapso”. Sin embargo, creo que en “Belva” hubo una variación vocal por parte de Javi o al menos eso me pareció a mí en un momento de la canción. Aunque nuestros videos son un poco guarros y de malísima calidad debido a la cámara que tenemos, les hemos insertado arriba de este párrafo el que grabamos de “Belva” y hemos subido a nuestro canal en Youtube para que comprueben si hay omisión de verso entre la 2ª estrofa y 2º estribillo como a nosotros nos parece.
Cyan se ven con fuerza y seguridad. Prueba de ello es que en los bises, Javi salió solo a escena, armado de guitarra acústica y pidió que toda la sala El Sol se sentara en el suelo (nosotros lo hicimos con cierto riesgo, bordeando los restos de un cubata fallecido que había por ahí) y se guardara un silencio sepulcral para interpretar una canción de discos anteriores (la cual no tengo fichada aún, discúlpenme) en acústico y sin ayuda del micro en las voces; y la cosa funcionó a la perfección. Si no, vean al público sentado en la siguiente imagen debajo de este párrafo. En “Belva”, sin han visto el video, también han podido ver que consiguieron poner al público de cuclillas en mitad de la canción.
En los bises Javi se desmadró tras este capítulo íntimo que acabamos de comentar y hasta se metió entre el público, abriéndose paso entre la gente cual Moisés a través del mar, consiguiendo unos pasillos humanos más que razonables para sus idas y venidas; esto se ve en la foto de debajo de este párrafo. Cyan completaron casi hora y media de actuación, ofreciendo un espectáculo con acertadas variaciones con respecto al que ofrecieron unos meses atrás en el mismo lugar. Se valieron de “Delapso” en su práctica totalidad (en el tramo final no faltó “Ballet mental”, que no se nos olvide, ni la gran “Aquitania”, que esta vez no tuvo el privilegio, que a alguno le chocaría en su día, de abrir el concierto, sino que apareció a la media hora de actuación, cuando la gente ya estaba bien metida en el asunto) y escogieron muy bien los temas de discos anteriores para completar el setlist, además de las notables versiones de otros artistas ya comentadas.
Javier Fernández como cantante y frontman estuvo a tope, superando los problemas técnicos, que sobre todo le afectaban a él. El resto de los Cyan, donde destaca mucho la actitud en el escenario (muy intensa) y forma de tocar del guitarrista Jordi Navarro, estuvieron muy bien ensamblados. Lo que sí nos dio la impresión es que Cyan han cambiado de batería respecto a la vez anterior que les vimos; no lo pudimos contrastar, ni, si en realidad fue así, el motivo del cambio. Abajo un expresivo Jordi Navarro.
Lo importante sobre todo son las sensaciones generales y creo que son muy buenas. Esas sensaciones transmiten que Cyan son ya una gran banda o por lo menos tienen maneras de ello. Tienen tirón de público y eso lo demuestra que en un periodo corto de meses han llenado 2 veces la sala El Sol. En esta ocasión, no lo tuvieron fácil. Primero tuvieron que soportar un aplazamiento y cambio de recinto y luego, ya inmersos en el concierto, tuvieron que pelear con fallos técnicos sobre todo en el inicio, pero que también se prolongaron en menor medida a lo largo de la actuación. Con todo, la cosa salió bien al final. 
Cyan cuentan con un Javi Fernández (en la foto de aquí arriba socorrido en plena canción de los fallos técnicos que sufrió) en estado de gracia compositivo, o al menos así lo demuestran muchas de las canciones de “Delapso”. Siguiendo con esta línea compositiva y de trabajo, Cyan seguramente pasarán a ser una de las bandas de referencia de los años venideros, entrando en la esfera de repercusión y alcance de bandas consolidadas con los Lori Meyers o Love Of Lesbian. Nosotros apostamos por ello. Estos chicos de Barcelona están trabajando muy bien en todos los sentidos, tanto en su último disco, como en sus videoclips (todos los de los últimos singles son muy buenos en mayor o menor medida), como en su directo.
Da igual que las cosas se les pongan difíciles. Cyan salen adelante y además con solvencia. Al finalizar el concierto no nos quedamos a hablar con el grupo (ya fue mala suerte para nosotros que el único día que tenía que madrugar esa semana fuera precisamente el viernes siguiente) y solamente pudimos hablar muy de pasada con toda la plana de Promociones Sin Fronteras, Mónica Caballero, Cookie y Pablo Camuñas (al que agradezco que contara con nosotros una vez más para un evento como éste) y vimos por ahí a gente como Maryan Frutos de Kuve, que estaba de conversación con la telonera Ana Muñoz al finalizar la actuación.
Por tanto, no pudimos preguntar a Javi o a cualquiera de los Cyan sobre el resultado de 2013. Nosotros creemos que les ha ido muy bien. Deseamos a Cyan que el 2014 les vaya si cabe mejor y sigan sumando adeptos y creciendo en el mundo de la música, ya que su propuesta pienso que así lo merece. A veces, se hace justicia.
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viernes, 20 de diciembre de 2013

Temporada 5/ Programa 6: Loquillo Y Trogloditas y “Mientras Respiremos” (1993)

Nuestro siguiente programa de la temporada lo dedicamos a uno de los mejores discos que editó Loquillo junto a Trogloditas. Aunque ya no estaban en el barco personas tan importantes como Sabino Méndez, este “Mientras Respiremos” supuso un buen resultado en general.

La controversia que aludimos viene en tanto a que en propias palabras de Loquillo, no es una época que él recuerde con especial cariño. De alguna forma, “Mientras Respiremos” supone el comienzo del fin de los Trogloditas. Un lento proceso de deterioro de la banda que desembocaría más de una década después en su separación formal.

El disco está repleto de buenísimas canciones. Podremos escuchar varias de ellas mientras que debatimos del disco en particular y de la historia de Loquillo y Trogloditas en general, sobre todo centrada en aquellos comienzos de los 90.

La cita será este sábado 21 de diciembre de 2013 a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Estaremos una hora en antena. Llegado el momento, les dejamos aquí el link de la emisión on-line de la emisora para que nos escuchen: http://www.ruah.es/online.html

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/182154318658381/
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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jueves, 19 de diciembre de 2013

Concierto Kuve. Madrid (10-12-2013)

¿Fueron ustedes a ver a Kuve el pasado martes 10 de diciembre a la sala Costello? ¿No? ¿Se lo perdieron? Pues sepan ustedes que desperdiciaron una ocasión muy especial para ver a esta formación en directo, más allá de la garantía que en sí suponen ellos mismos en un concierto, lo cual sacamos en conclusión simplemente con su actuación como teloneros de los Second hace unas semanas en la misma capital de España, y solamente con verles en los primeros minutos de su actuación.
2013 ha sido un año que a Kuve le ha resultado bastante bien. Han conseguido tener un nombre dentro del panorama musical y gran parte de la culpa, lógica, la tiene la edición de su disco de debut “Regresión”. La banda ha estado defendiéndose en directo en muchas ocasiones y además han contado con el privilegio de acompañar a una de las bandas que consideramos mejores del momento, los ya mencionados Second. Esta cita, fijada en el mes de diciembre, supone un cierre de actividad anual y el balance, como ha sido positivo, merecía una celebración. Por ello, Maryan Frutos y Carlos Otero se quisieron rodear de buenos amigos, miembros de bandas de nombre, para que les acompañaran en el escenario.
Llegamos a las inmediaciones de la Costello a eso de las 21.20h, ya que la hora que se anunciaba de comienzo de actuación eran las 21.30h. Sin embargo, a los pocos minutos de estar enfrente a la sala, vimos salir a Sean de Second, acompañado de la propia Maryan, cantante de Kuve, y en esos instantes que estaban en la puerta pude escuchar que el comienzo estaba fijado para las 22.15h. Al poco nos metimos en la sala para intentar conseguir un buen sitio, ya que aunque la Costello no es muy grande y se ve bien desde cualquier punto, para las fotos del artículo y tal, ya constatamos previamente que era preciso estar más bien cerca del escenario por su iluminación.
En torno a las 22.20h Maryan, Carlos y el resto de sus compañeros de escena, se presentaban ante la audiencia que llenaba la sala y comenzaban con el triunfo seguro que supone “Mi mente en el congelador”. Ésta es la canción más contundente y rockera de “Regresión” y situarla como inicio de concierto garantiza un arreón de adrenalina suficiente para que la gente preste atención y se involucre de lleno en el show, por si acaso no lo estaban ya de antemano; es algo que pudimos experimentar en la actuación previa que les vimos teloneando a Second, ya que aquel día aún no conocíamos esta canción y nos llamó de forma potente la atención. Tras la misma, Maryan se dirigió al público por 1ª vez a modo introductorio, informando de lo que nos iba a esperar. Les dejamos insertado el video que grabamos con nuestra cámara. Normalmente el audio no es muy allá, pero en esta ocasión, la imagen tampoco acompaña en absoluto; al menos, les permitirá hacerse una mínima idea.
Como si de comenzar “Regresión” por su cara “b” de forma directa se tratara, Kuve prosiguieron con “Euritmia”, un tema que podría hacernos confundir a Kuve con los Presuntos Implicados más acertados con Sole Giménez al frente. Esta canción es otra de mis favoritas. Es un claro contrapunto a la intensidad de “Mi mente en el congelador”, debido a la calma y mesura que transmite, apoyado en una Maryan que modula su tono acertadamente.
El comienzo de actuación quizás dispuso mis temas favoritos de “Regresión” casi seguidos, ya que una pieza que es agradable por lo inocente de su tono y su leve sensación de fragilidad e intimidad es “A leguas”. Con esta bonita composición Kuve pusieron cierre al bloque inicial de actuación, delimitado por la 1ª colaboración especial. Era ahora el turno de que Sala de Sala & The Strange Sounds subiera a escena, acompañado por uno de sus compañeros de grupo en las percusiones (concretemos que se trataba de darle a la pandereta). Y para mi sorpresa, resulta que Kuve y Sala tenían preparado una versión de mi grupo favorito de todos los tiempos: The Cure. Se atrevieron con “Friday I’m in love”. Quizás Sala estuvo algo pasado de tono en los primeros segundos, pero luego se complementaron bien. No aludieron ni Maryan ni Sala que era una versión de The Cure, por si había un despistado por ahí, pero bueno. Como inquisidor mordaz de todo lo que vea con la banda que lidera Robert Smith, doy el visto bueno a lo que Kuve y Sala hicieron. La versión fue bastante fidedigna, no quisieron arriesgarse a cargársela y de esa forma te aseguras al menos salir solvente. Aquí debajo Sala con los Kuve en plena acción y entrega.
Tras el feliz paso de Sala para regalarnos esta cover de The Cure, tornaba la soledad de acompañamiento para Kuve en las tablas de la Costello. Corroboraban el completo de interpretación de mis canciones favoritas de “Regresión” justo a continuación con la joya brutal que es “En círculos”, tema que cierra el disco y que te deja un soberbio buen sabor de boca. Destaco mucho los punteos de guitarra del comienzo y final de esta canción en este concierto a cargo del señor Carlos Otero, al cual tuvimos en esta ocasión justo enfrente y pudimos verle desenvolverse más claramente en directo que unos días atrás en el Ocho Y Medio, cuando nuestra situación en primera fila justo en el lado contrario nos lo impedía. Me encantó “En círculos” en directo y casi hubiera agradecido unos minutos de parón para recrearme en la sensación que te deja, pero no había posibilidad de ello y Kuve tiraron para adelante con la siguiente participación de invitado.
Alberto Jiménez, cantante de Miss Caffeina, llegaba a escena para ayudar a los Kuve en “Invisibles cuerpos”. Bien compenetrado desde el inicio en las voces con Maryan, atrevieron con esta canción de sabor algo amargo y duro en su sonido. Creo que la elección de esta canción era la más adecuada para esta colaboración, ya que quizás sea la canción más cercana a las formas de Miss Caffeina dentro del repertorio de Kuve; dicho todo esto desde el conocimiento aún somero que tengo de la banda que lidera Alberto, a pesar de haberles visto salir con solvencia de la papeleta (y honor al mismo tiempo) de ser los teloneros de Keane en su concierto de comienzos de otoño de 2012 en Madrid en el Palacio Vistalegre. La siguiente foto nos muestra a Alberto  Jiménez de Miss Caffeina junto a Maryan.
De aquí al final se alternó a rayas canción de la banda en solitario con colaboración. Vendría en este momento la canción título del disco de Kuve, que sirvió de correcto impass o descanso, sin perder la comba de “Invisibles cuerpos”, ya que es una canción intensa y quizás la 2ª en nivel rockero del disco al que concede nombre tras “Mi mente en el congelador”. En esta canción “Regresión”, Maryan le dio a la tamborrada de Calanda del Viernes Santo (provincia de Teruel; véase homenaje aquí a J.L. López Vázquez y su papel en la gran película “Peppermint Frappé” de Carlos Saura) al final de la canción atizando a un tambor de forma muy marcial. La siguiente foto muestra la tamborrada de Maryan.
Izal, una banda que también puede celebrar claramente este año 2013, porque les ha ido bastante bien, tiene a un chico en su formación llamado Mikel, casi tan alto como yo (no tanto), que sufrió el bajito techo de la sala en el escenario, sin llegar a sufrir lesiones. A modo de lo que hacía Peter Heppner de Wolfsheim, se agenció un atril para ayudarse a interpretar “Tu último domingo”; reconoció que no había hecho los deberes, a lo que Maryan le hecho un capote diciendo “está muy ocupao el crío, está muy ocupao”. La colaboración de Mikel de Izal con los Kuve fue de menos a más. De tal forma que aunque comenzó algo desacompasado, supongo que por el hecho de no tener afianzada la letra, afrontó la parte final de la canción destilando una química y compenetración en escena con Maryan realmente envidiable, suponiendo quizás el mejor momento de colaboraciones de la noche, aunque no en su totalidad, sí en ese sector final de “Tu último domingo”. Otra buena canción de “Regresión”, me quedaba ésta de mis predilectas (me llamó mucho la atención cuando la escuché por 1ª vez en la actuación de Kuve teloneando a Second), es “Dando vueltas”. Una canción muy pop y animada, con la que se afrontaba el tramo final de concierto. Vayamos por orden, abajo vemos a Mikel Izal con Maryan.
Tras “Dando vueltas”, llegaba el turno esperado de Sean Frutos, cosa que se apreció por la ovación que se ganó el cantante de Second a medida que se acercaba al escenario. Era de esperar que Sean hiciera con Kuve la canción de la que él escribió la letra, “Siluetas de invierno”. Y así fue. Con su tono más grave vocal en “modo on”, Sean secundó a Maryan de forma muy sentida, devolviendo la colaboración que en su día hizo ella con Second en Joy Eslava con “Tu inocencia intacta”. Me imaginaba o hacía pajas mentales antes del concierto, imaginando que quizás por el papel de apoyo tan importante (que se aprecia en el libreto de “Regresión” en el apartado de agradecimientos) que Sean ha reportado a Kuve, y, ¡qué coño! ¿por qué no decirlo?, por tema de parentesco, quizás Sean hubiera disfrutado de un trato de favor con un par de canciones, dejando espacio para versionar algo de Second por parte de Kuve en su compañía. Creo que hubiera sido algo cojonudo, pero no se quiso destacar a Sean más allá del papel del resto de invitados que de disponer el privilegio de ser el plato final de la noche. Cuando los hermanos se llevan bien, da gusto; como prueba, la siguiente foto.
Kuve finalizaron con sus 3 singles, ya que tras el 3º hasta la fecha que hicieron con Sean Frutos, ya sin más colaboraciones en el horizonte, llegaría el turno de “Nadie te dijo” y “Singapur”, la cual fue el bis de la noche, ya que el grupo abandonó el escenario durante unos segundos antes de meterse con la canción que más repercusión ha tenido en formato single hasta el momento de “Regresión”. Así, con “Singapur” y toda la gente a tope coreando la canción, se puso final al show. Kuve completaron hora y 5 minutos de actuación. El concierto en global estuvo muy bien. Al margen de lo especial de las colaboraciones, Kuve dispusieron de un sonido mucho mejor del que disfrutaron en la pasada actuación en la que les vimos en el Ocho Y Medio. A Maryan se le entendía perfectamente, cosa que en la otra actuación, por la distorsión acústica del recinto, era bastante jodido. La iluminación de la Costello es algo chusca (las fotos y sobre todo el video insertado así lo demuestran), pero tiene una acústica muy buena. Quien figura en la siguiente foto junto a Carlos Otero es el otro componente de Sala & The Strange Sounds que colaboró en la correcta versión de los Cure.
Analizando el papel de los componentes de Kuve, comencemos por Maryan. En las 2 veces que he visto a Kuve en directo, he podido comprobar gracias a Maryan que para ser carismático en el mundo del pop-rock no hace falta tener una actitud de diva distante y avinagrada (como las hay muchas). A Maryan Frutos se la ve tan buena chica, que es irresistible no cogerla cariño. Desprende ilusión a raudales por lo que hace. Su gusto de estar en el escenario al frente de su banda es fácilmente contagiable a la audiencia. En esta ocasión, como ya he comentado, la acústica no le fastidió su labor de cantante y se apreció bien su tono de voz y matices vocales. Se vistió de riguroso y elegante negro para la actuación (menos las botas de cordones, que eran marrones) y repitió look con su coleta recogida y flequillo que terminó envuelto en sudor de la entrega que dispuso. La foto de abajo de estas líneas muestra una buena compenetración entre Pablo Oliva en sus guitarras y Maryan al micro.
A Carlos Otero tuvimos el gusto de verle y oírle tocar de bien cerca. Su aspecto me recordaba en parte al de un joven Rick Davies de Supertramp. Por las fotos promocionales de Kuve, me lo imaginaba un “seriote de Amaral” (expresión que acuñó Joaquín Reyes en “Muchachada Nui”, aplicable para todos aquellos grupos o duetos de chica/chico, donde la chica canta y el chico está con cara de ajo a su lado sin decir ni mú), pero sin embargo, al verle de frente se me vino abajo esa idea. Se le vio satisfecho en el tramo final del resultado del show, despidiéndose efusivamente en el micro hasta el siguiente año, y lo más importante, pudimos comprobar que es muy buen guitarrista (nuestras fuentes de información, que las tenemos, ya nos habían informado previamente de ello).
Del resto de músicos, al batería de Kuve en directo casi ni le vi porque me lo tapaba Carlos. No desentonó. Al que sí vi mejor fue a Pablo Oliva, a quien conocemos de su banda de versiones Clase Y Criterio (muy recomendable que se pasen algún fin de semana que toquen en el Rock And Roll Radio Club cercano a Alonso Martínez a verles en directo), le tuvimos al otro lado, encargado de las segundas guitarras y de ayudar en coros a Maryan. Detrás, el bajista casi me engaño visualmente de aspecto, ya que por un instante me pensaba que había otra colaboración especial al tener los Kuve a Santi Balmes de Love Of Lesbian encargado del bajo para esta actuación. No, evidentemente no fue así.
Tras la actuación no pudimos hablar con Maryan, Carlos o alguno de los músicos de Kuve en directo y tampoco tardamos mucho en largarnos, que al día siguiente era miércoles y había que ir a la oficina. Con quien sí nos cruzamos antes de marcharnos fue con Sean Frutos, con el que intercambiamos unas cuantas impresiones. Nos comentó el líder de Second que está muy satisfecho de cómo están yendo las cosas con su banda con el nuevo disco “Montaña Rusa” y con actuaciones como la de días atrás en Madrid; desde “Discos, música y reflexiones” nos alegramos de ello.
Kuve querían poner un broche especial para finiquitar su provechoso año 2013. Nosotros pensamos que con el concierto de este 10 de diciembre en la sala Costello lo lograron. Repasaron su “Regresión” de pe a pa, añadiéndose una atrevida cover de The Cure, y todo ello rodeándose de otros músicos muy interesantes. Supongo que el grupo ahora se tomará unas merecidas semanas de vacaciones y 2014 ya vendrá. A nada que les vaya la mitad de bien que 2013, será un buen año para Maryan y Carlos. Kuve prometen.
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sábado, 14 de diciembre de 2013

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Cyan (19-12-2013)

Todo hay que decirlo. La fecha estaba prevista para hace unas semanas, el 22 de noviembre, un magnífico viernes en la sala Caracol. Sin embargo, el cierre de la sala por parte del consistorio de la capital propició que Cyan tuviera que cambiar de planes. La cita estaba fijada con varios meses de antelación. Fue en la presentación en Madrid del videoclip de "Philippe Petit" en julio cuando el grupo también nos informó de esta fecha señalada en la gira de su gran último disco "Delapso".

Finalmente, Cyan parece que quieren completar el ciclo y terminar el año donde tuvieron tanto éxito en abril, la sala El Sol. Javi Fernández y los suyos regresan a Madrid, cuando hace poco que han lanzado el 3er. single de "Delapso" "Sólo es una herida". Nosotros no nos lo perderemos. La fecha ha sido definitivamente fijada para este próximo jueves 19 de diciembre a las 23.00h. Antes, a las 22.30h, podrán deleitarse con el papel de la artista invitada, Ana Muñoz. Para coger buen sitio, que sepan que las puertas se abren a las 22.00h.

A posteriori les informaremos de lo que acontezca, como es debido y solemos hacer. No nos gusta hacer vaticinios, pero con la experiencia vivida junto a los Cyan en abril, estoy prácticamente seguro de que este jueves tendrá lugar un buen concierto en la sala El Sol. Lo dicho, ya les confirmaremos en días siguientes a la actuación. Agradecemos a Pablo Camuñas de Promociones Sin Fronteras que cuente una vez más con "Discos, música y reflexiones" para dar información de eventos tan interesantes como el reseñado, aparte de facilitarnos entrevistas como la que mantuvimos con Javi Fernández en el programa de cierre de nuestra 4ª temporada de radio.
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viernes, 13 de diciembre de 2013

Reikiavik - Daño Universal (2013)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
La banda Reikiavik han elegido este 2013 para lanzar su lp de debut. Esta formación madrileña ya había editado previamente material en formato más reducido, por lo que no estamos hablando estrictamente de un debut discográfico, sino de un debut en formato de larga duración más bien.

El quinteto formado por Javier Martín como cantante y guitarra, Raúl Arévalo y Miguel Pérez en las guitarras, Ernesto García en la batería e Ismael Uribes al bajo sintetizan su 1er. disco de estudio en un trabajo de 10 canciones que alternan pasajes de reminiscencias de la new wave de comienzos de los 80, con el sonido más disoluto heredero de las bandas de Manchester de finales de dicha década y comienzos de los 90, para enganchar con otras composiciones que beben del brit pop noventero.

Todo ello está tamizado con un poso o regusto que transmiten las canciones, sobre todo en las composiciones que no se asocian a los sonidos que más nos pueden evocar a Happy Mondays u Oasis, que se mueven entre una cierta melancolía y una sensación de frío/lejanía, que quizás venga propiciado por el juego subconsciente que nos plantea el propio nombre de la formación (por si hiciera falta remarcarlo, el grupo toma su nombre de la capital de Islandia) y la portada del propio “Daño Universal”. Pasemos a comprobar como los Reikiavik saben distribuir esas sensaciones a lo largo de los 10 capítulos de su 1er. lp.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Plan de despedida número uno”: Comienza con una base pertinaz y dura el disco, la que aporta “Plan de despedida número uno”. La batería marcial de Ernesto se mantiene como el manto sobre el cual Javier Martín se presenta a las voces al micrófono, con una entonación y producción que le concede a su voz una lejanía que será marca de la casa en gran parte de la obra. Una pieza de pop/rock donde sobre la maquinaría sonora de los 5 Reikiavik destacan las notas de la guitarra rítmica (algo perdidas quizás en algún sector en la mezcla, una pena) y la atronadora batería de Ernesto (digna de comprobar en directo, como ya comentamos en la crónica del concierto-presentación del disco de hace unas semanas atrás).

2. “Aquellas calles”: “Aquellas calles” es quizás de las piezas melódicamente más acertadas del disco. Su melodía tiene un claro gancho emocional, aunque hay un cierto cambio de ritmo que no le favorece al terminar una de las estrofas. Destaca el repunte de intensidad que se ofrece en el tramo final. Reikiavik ofrecen con “Aquellas calles” notas de emotividad y melancolía, con ese tamiz de frío y lejanía que no se sabe muy si transmite en sí la canción (véanse algunos coros lejanos de un sector en torno a los 3 minutos de la canción) o el propio nombre del grupo. En todo caso, “Aquellas calles”, casi desde las primeras escuchas es una de nuestras canciones favoritas del grupo, por lo que les solicitamos que presten la debida atención.

3. “Daño universal”: Hay veces en los discos que incluyen canciones que reportan el título a la obra, que dichas canciones-título no son para nada memorables y no se entiende por qué el grupo las ha concedido ese honor. En el caso del debut en formato de larga duración de Reikiavik no estamos ante uno de esos casos. “Daño universal” como canción es quizás una de las mejores composiciones del disco al que concede nombre. El grupo se muestra más acelerado que nunca a lo largo del álbum (ya se lo anticipamos, aunque estemos en la 3ª canción) y la maquinaría sonora se conjunta a la perfección con los coros para acrecentar esa sensación. Hay algún parón dentro de este arreón, que funciona a modo de parar y volver a arrancar con la misma fuerza que en el sector anterior. Es quizás el ejemplo que más me evoca a la nueva ola del disco, pero con las marcas distintivas del grupo, donde las guitarras y su entrelazado tienen un claro peso de distinción sonora en Reikiavik. Cuando parece que la canción afronta un lento decaer que la lleve a su final, el grupo acomete por una última vez con la energía desaforada que transmite esta canción. No obstante, todo ello con esa sensación de frío y lejanía que me genera en muchas de sus canciones el disco; sin duda un contraste muy a tener en cuenta.

4. “Alrededor de la tierra”: Los sonidos de las guitarras de “Alrededor de la tierra” me suenan mucho a Bonehead y Noel Gallagher. No en vano quizás sea un pequeño guiño que el título coincida con la que quiso ser canción-emblema del “Be Here Now” de Oasis. Reikiavik en “Alrededor de la tierra” prescinde del ritmo que ha sido protagonista de las 2 canciones anteriores y deja de lado ese regusto de lejanía y frío en esta composición, donde más allá de los símiles que podemos encontrar con Oasis, hay que apuntar el buen trabajo de las guitarras sobre todo en el tramo final donde los coros toman el control.

5. “Puede ser”: Reikiavik abundan en el tramo central de “Daño Universal” en el sonido más parecido a Oasis de la obra. Los arreglos y guitarras de esta “Puede ser” nos pueden evocar sin mucha dificultad a las formas del “All around the world” que la banda capitaneada por los hermanos Gallagher incluyó en su 3er. disco “Be Here Now”, la cual también nos abordó, simplemente por el título, en la pista anterior. Hablamos de influencias, no de plagios ni de evidencias, cuidado. Las variaciones en el estribillo se hacen patentes con un giro de la cierta idealidad instrumental de las estrofas a un sector algo más agrio en su melodía.
6. “Abismo”: En “Abismo”, pieza que abre la 2ª mitad de “Daño Universal”, apreciamos una buena melodía instrumental en su 1er. minuto. En esta composición dejamos de lado las formas de Oasis y es donde podemos ver a Reikiavik acercarse más a las sensaciones sonoras del sonido Madchester. Sobre todo, lo podemos comprobar en ciertos coros incluidos en su tramo final. “Abismo” juega sus armas de seducción con una melodía seductora, capaz de hipnotizarte con su ritmo de forma casi imperceptible, característica común a las composiciones que facturaban hace veintipico años los Happy Mondays.

7. “Tú el dictador y yo el revólver”: Las guitarras se animan y aceleran en “Tú el dictador y yo el revólver”. Javier es la pieza donde más cercano y cálido se muestra a las voces de lo que llevamos del disco. De alguna forma, Reikiavik continúan en esta composición con algunos matices de estilo de la escena Madchester; si la cara “a” terminó con influencias de Oasis, la cara “b” comienza con influencias de sonido Madchester, bien distribuidas, ya que “” jugaba en la liga de las canciones más hipnóticas y “Tú el dictador y yo el revólver” se asocia a la vertiente disoluta y desenfada del movimiento.

8. “Acróbata”: Se acabó de hablar de influencias de brit pop o Madchester. Reikiavik finalizan el disco de la forma que comenzaron, con composiciones que no evocan claramente a ninguna banda o género/movimiento musical. Con “Acróbata” dan lugar a una de las piezas más emotivas de “Daño Universal”. Moviéndose casi en lo acústico, “Acróbata” es una balada donde Javier Martín sabe girar nuevamente en las voces para entonar muy correctamente esta pieza de buenos tramos de estribillo.

9. “Septiembre”: Desde el comienzo “Septiembre” engancha, desde sus primeras notas de guitarra. Es quizás la patente clara y definitiva del tipo de canción de estilo más propio que Reikiavik transmite. “Septiembre” transmite en un cóctel a partes iguales sensaciones de frío, melancolía y lejanía, marcas principales de sonido de “Daño Universal”. No obstante, junto a la anterior “”, esta “Septiembre” marca el estilo del grupo en su vertiente más reflexiva y lenta, ya que el terceto de apertura marcaría el estilo de Reikiavik en su facción más acelerada y animada rítmicamente en el terreno instrumental. La canción evoluciona en su tramo final en su melodía, dejando las acertadas notas de guitarra de lado para incorporar unos arreglos orquestales moderados que le dan un lazo de rúbrica apañado.

10. “Plan de despedida número dos”: Sin una conceptualización demasiado evidente en su lista de canciones, “Daño Universal” sí que tiene un comienzo y final relacionado claramente por el título de sus canciones. “Plan de despedida número dos” no pretende cambiarnos las sensaciones más emotivas y sentidas que Reikiavik han adoptado en el tramo final de obra, y con la variación justa siguen en ese sentido melancólico. Sin bien, hay que puntualizar que esta “Plan de despedida número dos” aporta un sonido más cercano que sus 2 predecesoras. “Adiós y cuídate” nos dice claramente Javier al micrófono, emplazándonos a lo que sea la siguiente entrega discográfica de Reikiavik.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Todavía es muy pronto de hablar de la repercusión, resultado y proyección de “Daño Universal”. Lo que sí podemos es sintetizar sus claves tras exponerles individualmente las canciones de su contenido. Más allá de las influencias que podemos notar, Reikiavik ofrecen en este “Daño Universal” un contenido sonoro propio que avanza en 2 vertientes, una enérgica y otra más emotiva. Trabajo de la producción es el resultado de ese sonido lejano y algo frío que destila el carácter general del disco.

Sin embargo, Reikiavik ofrecen un contraste entre disco y directo. Ya comentamos que nos sorprendió mucho el papel del grupo en el escenario. Dejan de lado ese telón de distancia para ser mucho más cercanos e intensos que en estudio. Es probable que el estilo musical de Reikiavik abunde en el sonido del terceto de apertura y del terceto de cierre, más que en las formas más reconocibles de bandas británicas de las 4 piezas intermedias. Al menos ahí estimamos que pueda residir el éxito que el grupo pudiera conseguir en su trayectoria.

Hay momentos realmente brillantes en muchas de las canciones. Momentos que reportan mucha emotividad, vistos en canciones como por ejemplo “Abismo” o “Septiembre”. El resultado general del conjunto de 10 canciones de “Daño Universal” es bueno. Alcanza el 7 sobre 10 sin demasiados agobios. Ofrece la variación justa emocional entre ritmo y sentimiento, cosa que no siempre es fácil de conseguir. Como primer lp es prometedor y agrada a la escucha.

El quinteto que forma la banda puede estar satisfecho de su última creación. Si siguen apuntando en la dirección de muchas de las canciones de este disco y afinando el ingenio compositivo y el gancho sonoro, puede que estemos hablando de una de las bandas que se hagan con un nombre o posición en los venideros años. “Daño Universal” es un buen presente para Reikiavik, con la lógica de suponer un álbum de debut y sienta las bases para una carrera que puede deparar buenos momentos. El tiempo nos dirá.

De nuestro programa de radio, informarles, por si no han visto el post anterior, que ya subimos el audio del programa sobre Oasis. Mañana a las 16.00h y el miércoles a las 23.00h en la sintonía de RUAH podrán escuchar la redifusión del programa que dedicamos el pasado sábado en directo a Marillion.
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jueves, 12 de diciembre de 2013

Programa Oasis “(What's The Story?) Morning Glory” (Temporada 5/ Programa 4)

Aquí les dejamos insertado el audio del programa nº 4 de nuestra 5ª temporada que versó sobre Oasis y su mítico 2º disco de estudio. La foto es la comedieta de siempre, ya que Mariano González, desgraciadamente y por motivos de salud, no puede desplazarse en persona hasta nuestros estudios, participando solamente por teléfono.

Fue otro mano a mano y de ahí el cutre-montaje de la fotografía que encabeza este post, con Mariano in memoriam. Tuvo lugar el pasado 23 de noviembre de 2013 a las 16.00h en riguroso directo en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

No me extiendo más, que últimamente sufro horrores para conectarme y además poder tener una conexión de garantías y veloz. Solamente les reseño una fe de erratas, ya que no paramos de pronunciar incorrectamente en inglés el nombre del disco de debut de los de Manchester en el programa y además es mítico el gazapo de renombrar el tema "Charmless man" de Blur como "This charming man" o "Charming man". Discúlpennos estos 2 lapsus. A continuación, el audio insertado. Con todo y humildemente, no creo que nos quedara un mal programa. Igualmente, les dejamos el link de su alojamiento original en Ivoox: http://www.ivoox.com/dmr-5-4-audios-mp3_rf_2623493_1.html.
 
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sábado, 7 de diciembre de 2013

Discos, música y reflexiones cubrirá el concierto en Madrid de Kuve (10-12-2013)

Nos quedamos con ganas de más, mucho más, el pasado 23 de noviembre tras ver a Kuve de teloneros de Second en su concierto de Madrid. Por una vez, el destino nos es favorable y nos pone en bandeja la oportunidad para saciar nuestros deseos y este próximo martes 10 de diciembre en la céntrica sala Costello, Kuve pondrán de alguna forma el broche de oro a un 2013 que les ha ido bastante bien.

Este año editaron su disco de debut “Regresión”, el cual ha funcionado bastante bien, y el grupo no ha parado casi en ningún momento de girar y ofrecer actuaciones en varios sitios (en Madrid ha habido unas cuantas buenas ocasiones). Este martes la cita es especial; Kuve se acompañarán en el escenario de varios artistas invitados que harán la ocasión única.

Habrá gente de bandas que ya conocemos en directo como Miss Caffeina (recuerden nuestra crónica del concierto de Keane de hace poco más de un año)  o Sala & The Strange Sound (recuerden nuestra crónica de una arrolladora actuación de The Noises en la sala Taboo), por no citar a nuestro admirado cantante Sean Frutos, cabeza visible de los mayestáticos Second.

Nosotros no nos lo perderemos y a posteriori les informaremos de lo que suceda. No obstante, teniendo en cuenta lo especial del concierto que ofrecen Maryan Frutos y Carlos Otero, es decir, Kuve, les recomendamos que lo vivan de primera mano. Por cierto, ¿recuerdan lo que les comenté de que no reconocí a Maryan Frutos en el escenario el otro día en la crónica del concierto de Second? Bueno, pues resulta que tampoco reconocí a uno de los músicos que acompañan a Kuve en directo, que no es otro que Pablo Oliva, al cual conocemos de la banda Clase Y Criterio, de la que forma parte nuestro buen amigo y también componente de Vipership Eduardo de la Mata; el mundo de la música es un pañuelo y yo necesito gafas...

No se despisten, ya que la sala es de aforo algo reducido y el precio de las entradas es irrisorio, por lo que no supondrá una limitación a que la gente acuda. Será a las 21.30h cuando comience la actuación y allí estaremos puntualmente. Agradecemos a Cookie de Promociones Sin Fronteras que nos haya considerado para poder informarles de esta interesante actuación de la semana entrante.
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viernes, 6 de diciembre de 2013

Temporada 5/ Programa 5: Marillion y “Misplaced Childhood” (1985)

Nos falta poner en el título del evento en Facebook (titulado "Marillion: Ópera rock progresiva en los 80 con "Misplaced Childhood"") un "con 2 cojones". Y es que el carismático cantante de sobrenombre Fish (Dereck Dick) y el resto de los Marillion, se permitieron la osadía de desafiar a lo liviano y hedonista de los 80 con obras de carácter progresivo.

Aunque todos sus discos de aquellos días merecen la pena (véase el "Fugazzi", trabajo doble), hemos escogido su quizás obra magna, el "Misplaced Childhood" de 1985. Sonarán sin duda sus grandes temas como son las baladas rock "Kayleigh" y "Lavender", más algún otro tema menos conocido.

Darán mucho que hablar en nuestro 5º programa de nuestra 5ª temporada. Dicen que no hay 5º malo y este sábado 7 de diciembre a las 16.00h en directo en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), como ven, habrán 2 quintos.

Llegado el momento, les dejamos aquí el link de la emisión on-line de RUAH para que escuchen el programa: http://www.ruah.es/online.html

Links de interés:
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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martes, 3 de diciembre de 2013

Programa Suede “Coming Up” (Temporada 5/ Programa 3)

Aquí dejamos el presente post promocionando el audio de nuestro 3er. programa de la 5ª temporada en la radio de “Discos, música y reflexiones”. Dedicamos el programa a Suede y a su, también, 3er. disco de estudio “Coming Up”. La ocasión fue muy especial debido a que a las pocas horas Suede actuaban en la sala La Riviera de Madrid defendiendo su último y correctísimo trabajo “Bloodsports”.

Fue una hora de programa donde hicimos hueco a varios de los enormes singles de este disco tan emblemático de los años 90 y en el que tomamos parte Mariano González y servidor de ustedes, Víctor Prats. Nuevamente, la vis cómica de nuestra parte con el “cutre-montaje” en Paint al insertar una foto recortada de Mariano en el recuerdo, debido a su participación telefónica, no presencial, en el programa, superpuesta sobre la foto que saqué al finalizar el programa frente a la mesa de control de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH).

Si no lo escucharon en la emisión en directo o en las redifusiones posteriores que se llevaron a cabo (miércoles a las 23h y sábados a las 16h en la misma emisora), dejamos insertado a continuación el widget para que lo puedan escuchar directamente desde aquí, pero también les dejamos el link de referencia donde está disponible en Ivoox: http://www.ivoox.com/dmr-5-3-audios-mp3_rf_2581340_1.html
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viernes, 29 de noviembre de 2013

Vipership - Lately (2013)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Cuando hay ilusión y ganas por algo, normalmente las cosas suelen funcionar. Eduardo de la Mata, Clara Brea y Edu Ostos suman sus talentos en Vipership y el resultado de momento es su primer lp “Lately”. El disco ha salido hace poco al mercado y el grupo está en plena promoción del mismo. Hace unos días acudimos a la cita destacada de la presentación del mismo en Madrid.
 
El grupo ya lleva desde comienzos de 2013 en marcha y hace unos meses ya lanzaron su anticipo “Here comes the rain”, el cual tuvo una meritoria acogida en internet, con un buen ritmo de visionados y visitas de su videoclip en Youtube. “Lately” principalmente es una obra enérgica y que transmite la frescura que normalmente tienen asociada los debuts discográficos de las bandas (¿quién no recuerda las formas que ofrecía el “Three Imaginary Boys” de The Cure?).
 
Tenemos por delante 13 canciones que sin embargo no resultan cortadas ni mucho menos por el mismo patrón. Una cosa es la sensación global o el poso que te deja el disco y otra cosa son los distintos tramos que ofrecen Vipership en esos 13 capítulos. Hay pasajes instrumentales, momentos rotundos, instantes bailables y hasta algún ejemplo de leve siniestrismo en algún pasaje de alguna canción. Sin más, sumerjámonos en “Lately” de Vipership.
 
ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Lately I”: A modo conceptual, Vipership ha comenzado su debut introduciendo un tema instrumental, con acordes de guitarra de lejanos ecos de Pink Floyd. Los interludios instrumentales regresarán en el ecuador y al final. Una intro que quizás no representa el sentido o sensaciones primarias que dejará la escucha del disco en su totalidad.
 
2. “From another time”: La voz de Clara entra con fuerza en “From another time”. Una canción directa, que como podrán escuchar se aleja de las formas de la intrumental introductoria. La mayor rabia se concentra en el estribillo, alternando una latencia en el resto de estrofas. Todo suena rotundo aquí, desde la batería de Edu Ostos, por los arreones eléctricos de Eduardo de la Mata y Clara, y también la voz de esta última.
 
3. “Magic tricks”: Con “Magic tricks” dejamos un poco de lado los retazos post-punk de “From another time”, para afrontar un tema más cercano al rock. Ofrece unos cambios de ritmo notables entre estribillos y estrofas. Podemos escuchar claramente a Eduardo de la Mata aportando algunas voces.
 
4. “Babble”: Quizás una de las mejores canciones del disco sea “Babble”. Situada en el 4º lugar, esta canción prosigue suavizando las formas progresivamente. Es una canción que se mueve en un pop-rock de lo más accesible. Las guitarras se liberan de la rabia para volverse rítmicas. Clara en las voces claramente se gusta y se muestra en el tono más sensual y seductor de lo que llevamos de disco, sobre todo en algunas partes. Si el grupo decidió dejarla para el final del concierto de presentación del disco, querrá decir algo. Incluye un sector onírico e hipnótico que le otorga la complejidad necesaria.
 
5. “The sigh”: Vipership sitúan con “The sigh” un ejemplo de “canción Dr. Jeckyll & Mr. Hide”, en la que se alternan partes sinuosas, misteriosas y susurrantes, con un estribillo contundente y potente. Tiene un cierto puntito siniestro sobre todo en sus primeros compases.
 
6. “Lately II”: Más ajustable a una hipotética letra que la 1ª “Lately” que nos encontramos al inicio, es la 2ª parte, situada como ecuador de la obra. Es una pena que no haya podido disfrutar de una letra que le hubiera dando mayor relevancia, ya que melódicamente considero que es un pasaje destacable del disco. La base es contundente, a la par que sincopada, y la guitarra rítmica sobre esas tablas dibuja una melodía y acordes muy agradables. Su sector intermedio se vuelve lento y elegante, prescindiendo de las bases marcadas, completando una notoria composición instrumental, que en su recta final vuelve a sus matices iniciales.
 
7. “Married”: Clara no quiere esperar ni un segundo a volver con sus tareas vocales tras los minutos instrumentales de “Lately II”. En “Married” incluso nos podemos llevar a equívocos y pensar que nos encontramos con los Hole de mediados de los 90. Dentro de su sonido rudo, hay lugar para unas partes de factura inquisidora con Eduardo y Clara haciendo a la par ese “Mira lo que has hecho”.
8. “Lobster monster”: con el gracioso juego de palabras que supone en inglés, “Lobster monster” comienza sigilosa. Con algunas gotas de blues en los acordes las cuerdas y algún sonido de factura psicodélica, es quizás la canción más esquelética y economizadora de “Lately”. Su concepción es minimalista, a pesar de que en el estribillo sume elementos y contundencia al asunto. En directo me pareció que jugó un buen papel cuando le llegó el turno.
 
9. “Thanks 4 keeping the wolves on”: Tras la originalidad de “Lobster monster” llegamos a “Thanks 4 keeping the wolves on”. Una canción de medio tiempo dentro de las sensaciones de rabia amarga que desprende “Lately”. Salvo algunos cambios de ritmo notables y algunas notas que suenan bastante bien, es quizás una de las canciones que menos destaquen de “Lately”.
 
10. “Here comes the rain”: Gloriosa, vibrante y acelerada es “Here comes the rain”, el single con el que Vipership se presentaron en sociedad. Sonido after punk bien llevado, con punteos de guitarra vertiginosos y Clara cantando con un desdén y descaro notable. El puente entre estrofa y estribillo es realmente buenísimo. La canción se acompañó un videoclip en el que Clara no jugaba el arma de su expresiva mirada, escudada en unas gafas de sol y con Eduardo por ahí divagando en mitad del campo y otros lugares. “Podría ser peor” repite Clara en su estribillo; de hecho, está bastante bien.
 
11. “So busy”: Vipership se proponen terminar el disco a lo grande. Tras la notable “Here comes the rain” llega el turno de otra de las grandes canciones de “Lately”. “So busy” es la canción más pop del disco, pero sin ser un tema alegre y facilón. Sencillamente el grupo adopta formas elegantes y comedidas en gran parte de la pista y posteriormente nos regala unos pasajes de notas y acordes que invitan claramente al baile. Clara deja de lado por lógica concordante la rabia vocal y se pone llevadera y muy melódica. Presten especialmente a su evolución sonora a partir del 3er. minuto de duración: un tremendo acierto (y más aún en el directo, créanme).
 
12. “She loves her monkeys”: Sería poco adecuado, a pesar de ser un temazo, cerrar “Lately” con un tema como “So busy”. Por ello, Vipership endurecen algo sus formas con “She loves her monkeys”, no llevándolo quizás a los puntos más enfurecidos de la obra, pero sí para dar la vuelta a la obra de una forma lógica de estilo de obra. A pesar de que “She loves her monkeys” tiene un tímido arrebato bailable en un sector, al estilo de lo que descaradamente ofrecía “So busy”, no es su cometido.
 
13. “Lately III”: De forma conceptual en la estructura se termina con la 3ª instrumental de “Lately”. Primero oímos sonidos lejanos, con una melodía de silbido y de forma fantasmagórica escuchamos venir la voz de ultratumba del fantasma de Clara. Solamente unas cuerdas son las que dibujan la melodía para que esa velada voz tenga algo de apoyo. En torno a los 2 minutos y 40 segundos la melodía se normaliza, a base de sonidos acústicos, consiguiendo otro sector instrumental de muy alta satisfacción sonora para aquel que escucha.
 
RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Todavía es pronto para poder juzgar a “Lately” por sus resultados y logros, ya que hace muy poco que ha visto la luz. Lo que sí podemos constatar es que ha puesto al grupo en escena con mucha entrega y ganas (tales que han movido a sus componentes a incluso cambiar de vida para centrarse de forma profesional al proyecto). Vipership cuentan con el apoyo de muchos críticos y periodistas musicales de enjundia, de tal repercusión que nuestro apoyo resulta ínfimo e insignificante en comparación con logros tales como haber acudido al programa “Disco Grande” del legendario (en activo y Ondas calentito bajo el brazo) Julio Ruiz.
 
Esta gente tiene ilusión desbordante por la música y descomunal pasión por ella. “Lately” tiene los factores reconocibles de un debut: ganas de comerse el mundo concretadas en un disco enérgico y a ratos rabioso. Aunque el disco no es monolítico, la sensación principal que transmite es de fuerza y mucha caña. Sin embargo, hay matices sonoros que me hacen dudar de si el grupo seguirá esta senda en siguientes entregas o se moverá a un terreno más suave y bailable. Su concepto artístico es fresco y resuelto a base de dibujos y figuras que representan las conceptos de varias de las canciones.
 
“Lately” funciona bien. Por ponerle algún pero, podría haber intentado ser más sintético, habiendo cribado un par de temas más del track list para reducir algo sus 53 minutos y dejarlos en unos redondos 45. Al margen de esa opinión, su escucha no resulta para nada soporífera, primero porque es un disco que te sacude en muchas ocasiones y segundo porque no es vulgar, sino que ofrece arreglos y requiebros en las canciones que le hacen notablemente interesante. Vipership han llegado para quedarse. Desde aquí les damos todo nuestro apoyo posible y les seguiremos la pista. Por lo que conozco personalmente a uno de sus componentes, Eduardo de la Mata, por cómo vive la música, le gusta y la siente, a nada que les vayan las cosas medio bien, llegarán lejos. Luego no vayan diciendo por ahí que no se lo hemos advertido.
 
De nuestro programa de radio informarles que este sábado a las 16.00h y el miércoles a las 23.00h en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) podrán escuchar las redifusiones de nuestro 4º programa de esta 5ª temporada sobre Oasis y su “(What’s The Story?) Morning Glory”. El podcast del programa sobre Suede ya está en Ivoox. En breve publicaremos una entrada por aquí con el audio insertado. El próximo sábado 7 de diciembre de 2013, no nos vamos de puente: llega nuestro 5º programa de la 5ª temporada a las 16.00h en riguroso directo en RUAH. Esta próxima semana ya informaremos sobre quién irá. Paciencia.
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