domingo, 27 de diciembre de 2015

Concierto Kraftwerk. Grenoble (13-11-2015)

El pasado 13 de noviembre se presumía un gran día a nivel musical. Me enteré que la gira que estaba realizando Kraftwerk por Francia con paradas en Lille o Marsella entre otras, tendría una parada en Grenoble, ciudad que se encuentra a unos 110 km de Lyon, donde paso varios periodos a lo largo del año. Y, ¿qué son 110 km para mí? Pues nada, así que compre mi entrada ilusionado de ver de nuevo al hombre maquina un año y medio después de su magnífico concierto en el Festival Nuits Sonores de Lyon, del que ya hicimos el correspondiente artículo en este blog.
Evidentemente poco podría haber cambiado el show de Kraftwerk en tan poco tiempo teniendo en cuenta el inmovilismo del grupo y que no han publicado absolutamente nada nuevo (su último trabajo de estudio “Tour De France Soundtracks” data nada menos que de 2003). Pero me equivoque en parte. Está claro que Kraftwerk sigue innovando en directo, cosa que hace mucho tiempo dejó de hacer en estudio. Me desplacé al lugar de los hechos, el MC2, MC por lo de “Maison de Culture”, edificio con un diseño como de nave espacial que parece que va a echar a volar en cualquier momento; ya nos gustaría en Madrid tener algo así donde se programan constantemente conciertos de interés, pero no tengo ninguna esperanza ya que viendo el perfil del equipo de gobierno de Carmena en cuestiones culturales estamos abocados al rock calimochero y lindezas del estilo.
Ya en la entrada de la sala que se encontraba dentro de la nave espacial, se agrupaba la gente esperando su apertura. A su lado el puesto de merchandising, que como siempre pasa en los conciertos del grupo acaba siendo devorado por los fans a la salida y eso a pesar de sus precios nada populares. Entramos en la sala que se llenó totalmente, lo cual tiene un mérito total ya que meter unas 2000 personas en una ciudad como Grenoble es como si Kraftwerk van a Burgos y llenan, pero bueno mejor que no vayan a Burgos que allí los fans de la electrónica están bastante tronados como pude comprobar en un festival donde actuó el ex-Kraftwerk Karl Bartos y que terminó con autobuses volcados y trasgos en un estado desatado provocado por las sustancias ilegales.
Llegan las ocho y con puntualidad casi perfecta se apagan las luces, nos enfundamos las gafas 3D y el robot nos da la introducción “Meine damen und herren. Ladies and gentlemen, heute abend, aus Deutschland, die Mensch-Machine, Kraftwerk”. Se baja el telón y aparece el cuarteto capitaneado por Ralf Hütter con sus trajes que son una mezcla entre la película Tron y Spiderman. Aunque puedan parecer ridículos, los propios trajes juegan con el efecto de las imágenes 3D sobre todo en temas como “Planet of visions” o “Aerodynamik”, pero no adelantemos acontecimientos.
Esta vez no empezaron con “The robots” como hicieron en el concierto de Lyon, sino que fue “Numbers” la encargada de inaugurar un gran concierto. Por supuesto le seguiría “Computer world”. La combinación de ambas canciones se ha convertido en todo un clásico en las presentaciones del grupo desde el año 91 en la gira “The Mix”. El efecto 3D de los números abalanzándose sobre nosotros era digno de ver, así como el ordenador gigante en “Computer world”.
El grupo no dejaría este álbum y atacaría “Home computer” en una versión que se recrea más en los sonidos llegando en algunos momentos a parecer una jam electrónica mientras la letra queda reducida al mínimo. Sin dar ningún tipo de descanso llega “Computer love” en una versión que, aunque es más deudora de “The Mix”, también incorpora elementos de la versión original; es lo que me encanta de Kraftwerk que su falta de creatividad en estudio en los últimos tiempos la suplen con su inquietud por hacer de cada concierto una experiencia diferente a nivel de sonidos. No hay prácticamente dos conciertos iguales de Kraftwerk y por eso vale tanto la pena ir a verlos.
De repente una calculadora gigante invadió la pantalla. Era el turno de “Mini calculateur” versión en francés de “Pocket calculator” que el grupo mezcló al final con la versión en japonés “Dentaku”. Al final nos habían ofrecido todo el álbum “Computer World” para comenzar el concierto. Ahora tocaba el turno del álbum “The Man-Machine”. ¿Lo tocarían también entero? Pues casi. Empezaron con la canción que da título al álbum. Ver esas figuras en 3D inspiradas en la obra del artista ruso “El Lissitzky” es toda una experiencia. Entonces llego uno de los platos fuertes “Spacelab”, donde el fondo es una nave espacial donde se encuentra el grupo y vemos a satélites recorrer la tierra hasta poner el punto de mira en Grenoble, donde la nave espacial aterriza justo al lado del lugar de concierto (que también parecía otra nave espacial como hemos comentado). Se pueden imaginar la reacción entusiasta del público.
Para aprovechar tal euforia el grupo nos ofrece su mayor hit “The model”, una canción inevitable en sus shows y cuya representación en imágenes siempre me pareció pura clase con esas modelos en blanco y negro y que ahora serán abuelas o bisabuelas o estarán criando malvas. Tras este gran clásico de la música electrónica llegó “Neon lights” donde los visuales eran distintos tipos de luces de neón representando por ejemplo una farmacia, una discoteca, un hotel curiosamente llamado “Kristallo” (como una de las canciones de su olvidado álbum “Ralf und Florian” de 1973) y hasta pudimos ver el neón de un puticlub con la chica en ropa interior invitando a entrar.
En este punto las canciones de “The Man-Machine” dejaron paso al primer clásico del grupo y tema de una importancia total y absoluta en la historia de la música electrónica. Me refiero a “Autobahn”. Sin este tema de 1974, la historia de la música hecha con sintetizadores sería totalmente distinta y confieso que uno de los pocos motivos por los que me gustaría conducir un coche es para poner los 22 de minutos que dura “Autobahn” en su versión original. En Grenoble sonaría una versión más corta pero igualmente disfrutable y aplaudida por el público.
De “Autobahn” pasamos al álbum “Radiactivity” con el tema “Airwaves” en una nueva versión entre la experimentación electrónica y los ritmos más bailables; bien podría haber formado parte de “The Mix”. Tras ella la introductoria “Geiger counter” nos lleva directamente a otro de los momentos clásicos del grupo y del concierto: la propia “Radioactivity” en la versión que hacen últimamente en japonés e inglés introduciendo en la letra la palabra Fukushima en relación con el accidente nuclear ocurrido en Japón en 2011.
Tras una merecida ovación del público llegaron un par de temas del álbum “Electric Café” o “Techno Pop”, como ha sido renombrado en las reediciones. Así interpretaron la propia “Electric café”, una canción peculiar con ese vocoder un tanto exagerado y la letra en francés con una parte central en español. Le siguió “The telephone call” toda una sorpresa ya que no es una canción que toquen a no ser que presenten todo su catálogo en alguna de esas ciudades afortunadas como Londres, Nueva York, Los Ángeles o Paris entre otras. La versión que hacen en directo es toda una demostración de originalidad e inteligencia, basada en la versión “House telephone”. Se elimina totalmente la parte vocal que corría a cargo de Karl Bartos (es la única canción del grupo a la que puso su voz), añadiéndose un montón de samplers con timbres telefónicos y diferentes voces; el resultado en mi opinión es mejor que el original, siempre pensé que a esta canción lo que le fallaba era esa parte vocal que la llevaba a terrenos demasiado pop. El tema funciona mucho mejor como instrumental donde Kraftwerk tienen vía libre para experimentar.
Como no “Tour de France” haría su aparición en una versión que combina la versión de 1983 con toda la suite de la versión 2003. ¿El resultado? 15 minutos de pasión por el ciclismo, reconocibles melodías y samplers de bicicletas y aliento de corredores. Y de la bici pasamos al tren, era claro que no podía faltar “Trans-Europe Express” con su clásica parte de metal sobre metal y ese tren virtual tan original. Las cortinas se cierran y Kraftwerk nos abandonan, pero solo momentáneamente.
La gente empieza a reclamar el tema “The robots”. Dicho y hecho: de repente empieza a sonar esa marcha robótica tan característica que todos conocemos, se abre la cortina y aparecen ellos, los robots, después de años en los que Kraftwerk los retiraron de escena para sustituirlos por el video con las imagines en 3D, han vuelto. Eso sí, cambiados: ahora visten el uniforme del grupo en la portada de “The Man-Machine” (camisa roja, corbata negra). Realmente tienen un aspecto mucho más humano que en versiones anteriores, tanto que en ocasiones parecen más humanos que los propios Kraftwerk; al menos se mueven más. Mientras los robots realizan su danza robótica, el grupo los controla desde fuera del escenario mientras suena la canción totalmente pregrabada, es el momento playback del concierto pero es un playback muy justificado.
Se cierran las cortinas y ahora sí aparece el grupo de nuevo para ofrecer “Aerodynamik” y “Planet of visions”, dos de las canciones más recientes del grupo (aunque las dos tienen más de una década), que serían muy bien recibidas ya con el público completamente rendido.
El grupo terminó como tenía que terminar con “Music non-stop” en su versión más larga incluyendo la suite completa con las partes “Boing boom tschak” y “Techno pop”. Como es habitual, el grupo fue dejando el escenario uno a uno de izquierda a derecha. El primero en hacerlo fue el videoperador Falk Grieffenhagen, que ocupa el puesto en escena que antes ocupaba el miembro fundador Florian Schneider, y es curioso el cierto parecido entre ambos pareciendo Falk una versión cuarentona de Florian.
El siguiente fue Fritz Hilpert, que antes de su salida nos ofreció su clásico solo de sonidos de percusión a través de ordenadores y demás maquinaria disponible en su consola.
A este le siguió Henning Schmitz con su solo de sintetizador de bajo.
Finalmente Ralf Hütter, único miembro fundador que queda en el grupo, hace su solo dibujando la melodía de “Music non-stop” y se despide con un “bonne nuit, auf wiedersehen” con un público que no paró de celebrar el espectáculo que acababa de terminar. Como es costumbre en el grupo no hubo bises, cosa muy de agradecer.
Al salir de la sala como era previsible, la gente devoraba el merchandising del grupo. Yo por mi parte me hice con una camiseta con los cuatro ciclistas de “Tour De France” sobre fondo negro bastante chula y es que hay que decir que Kraftwerk son perfeccionistas hasta para el merchandising, que es de un gusto exquisito y para todas las edades, no como la mayoría de los grupos que tienen un merchandising ridículo y propio de adolescentes aun siendo grupos viejunos. Con un gran sabor de boca salimos del MC2, contentos de haber visto de nuevo al grupo más influyente de todos los tiempos.
Kraftwerk es más que un grupo, es una obra de arte, un concepto, por eso funcionarían aunque no quedase un solo miembro original y el show lo hicieran los robots con un playback ¿Qué grupo podría hacer lo mismo? Desgraciadamente, al llegar al centro de Grenoble nos llegó la noticia sobre los atentados en Paris, algo que marcaría para siempre ese 13N que desgraciadamente no será recordado por el concierto de Kraftwerk. La mente humana es todo un reto a seguir investigando: mientras unas personas buscan pasar un buen rato disfrutando de la música, otras personas buscan matar a esas mismas personas.

Texto y fotografías: Alfredo Morales.
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lunes, 21 de diciembre de 2015

DMR cierra por vacaciones de Navidad 2015

Seguimos con la sana tradición de mantener un “calendario escolar” de actividad 2.0 en “DMR” y por ello en Navidades (como comenzamos a hacer el año pasado) también nos tomamos un descanso más que merecido.

Tras la finalización del programa del sábado en directo sobre Heaven 17, la grabación esa misma tarde de un programa-entrevista (con el que retornaremos tras las presentes vacaciones), la subida del podcast del programa sobre “Never For Ever” de Kate Bush y su correspondiente artículo, toca parar al menos durante unos días.

Retornaremos con ganas en 2016 con más programas de nuestra 7ª temporada de radio, más artículos de revisión de discos de los 3 redactores que formamos el blog de “DMR” y con más crónicas de conciertos. La vuelta a la actividad será la semana del sábado 16 de enero de 2016, en la que habrá un nuevo programa de nuestra 7ª temporada de radio, el cual iremos promocionando durante la citada semana.

No obstante, ya sabrán los seguidores de “DMR” que siempre hay excepciones al parón de actividad, y dichas excepciones suelen estar asociadas a que vayamos a algún concierto y publiquemos crónica del mismo; en estas Navidades de eso algo habrá, ya se lo anticipamos.

Al margen de un par de crónicas de conciertos que serán excepciones a nuestro letargo navideño, también puede que comentemos algo (siempre relacionado con el mundo de la música) en nuestro perfil de Twitter y página de Facebook. ¿Aún no nos siguen en dichas redes?

Les dejamos con esta imagen que preside el post, tomada ayer por la tarde-noche en la madrileña calle Alcalá. Aprovechamos este post para desearles felices fiestas y que el próximo año sea benévolo con ustedes.
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domingo, 20 de diciembre de 2015

Programa Kate Bush “Never For Ever” (Temporada 7/ Programa 5)

Durante el programa que dedicamos a Peter Gabriel y su 4º disco de estudio establecimos comparaciones entre ese trabajo y el “The Dreaming” de Kate Bush, artista que en más de una ocasión ha colaborado con Gabriel. Tirando del catálogo de discos comentados en el blog, la única opción que teníamos era el “Never For Ever” (“Hounds Of Love” ya tuvo su programa de radio) y por eso dedicamos este programa al 3er. disco de estudio de Kate.

Mariano González vía telefónica (en cutremontaje de nuevo y en forma borrosa y etérea) y servidor de ustedes en los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) llevamos a cabo en directo este programa el pasado 5 de diciembre de 2015 en riguroso directo a las 16.00h. No hubo redifusiones, debido a que en semanas posteriores RUAH continuaba sin continuidad (valga la redundancia) y por ello es la primera ocasión que tendrán de escuchar el programa si no estuvieron presentes en el directo.

El 3er. disco de estudio de Kate Bush es muy aprovechable. Escogimos 4 de sus notables canciones y esperamos que los comentarios tanto de Mariano como míos les puedan ser útiles y de su interés. A continuación el link a Ivoox donde pueden descargarse el podcast y el reproductor insertado aquí para escucha directa sin moverse a otras tierras de internet: http://www.ivoox.com/dmr-7-5-audios-mp3_rf_9789384_1.html
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viernes, 18 de diciembre de 2015

Temporada 7/ Programa 6: Heaven 17 y “The Luxury Gap” (1983)

En el último programa que realizaremos antes de nuestro parón navideño (sí, ya les avisamos de que descansaremos por Navidades de nuestra actividad global, aunque eso ya lo anunciaremos en el blog en próximos días) hemos tenido a bien reivindicar un grupo dentro del techno pop de los años 80 que quizás en España no sean muy recordados.

El grupo formado por el trío compuesto por los ex-Human League Ian Craig Marsh y Martyn Ware y el cantante Glenn Gregory tuvieron en sus 3 primeros discos sus días de mayor gloria. De Heaven 17 hemos escogido el 2º, ya que el debut “Penthouse And Pavement” ya tuvo su programa de radio, “The Luxury Gap”.

Con este disco de 1983 tendremos ocasión de escuchar (no cabía duda) su gran hit “Temptation” y otras tantas buenas canciones dentro de un disco bastante recomendable. Estaremos en los estudios de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), salvo catástrofe o imprevisto, Alfredo Morales (gran experto en Heaven 17) y servidor de ustedes Víctor Prats y Mariano González seguirá participando por teléfono.

La cita será este sábado 19 de diciembre a las 16.00h. Les esperamos, ya que hasta el 16 de enero no habrá nada nuevo como diría Miqui Puig en una de las últimas grandes canciones de Los Sencillos.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1528677607445751
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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viernes, 11 de diciembre de 2015

Austra - Olympia (2013)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
En su día me quede con las ganas de reseñar una serie de discos que yo califico como “La saga Austra”, me refiero a todo lo que ha salido de este colectivo de músicos que aparte del grupo madre han desarrollado otros proyectos no poco importantes: Katie Stelmanis la cantante del grupo ya contaba con un excelente álbum en solitario antes de formar Austra. Por su parte la percusionista Maya Popsteski además de militar en Austra tenía su propio proyecto en solitario llamado Princess Century y el dúo Trust junto a Robert Alfons, aunque este último grupo ya son palabras mayores y por supuesto pasaran por este blog.

Hoy me he decidido a repasar el segundo y hasta la fecha último álbum de Austra “Olympia”. Los segundos álbumes suelen tener un punto traumático, sobre todo si vienes de un primer disco notable como fue “Feel It Break”, álbum que dio a conocer a Austra y con el cual estuvieron girando sin descanso durante casi dos años. La gira de “Olympia” ha sido igual de extensa o incluso más; de hecho su primer concierto en Madrid perteneciente a esa gira fue cubierto por DMR.

Además de un primer álbum que fue un éxito de crítica, el álbum de Trust “Trst” tampoco había pasado desapercibido con lo cual las miradas estaban puestas en este segundo álbum de Austra “Olympia” el cual iremos analizando canción a canción.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “What we done?”: El álbum comienza de forma extraña con este tema en el que Postepski se emplea en buscar una serie de sonidos electrónicos un tanto retorcidos que consiguen darle una sensación de misterio a una historia en la que la protagonista tiene una aventura con una chica menor. La sutileza del fondo musical termina por explotar y la profunda voz de Katie consigue dejarte en ese punto emotivo que tanto recuerda a los temas de “Feel It Break”. Definitivamente Austra han vuelto.

2. “Forgive me”: Mucho más melódica que la canción que precede, “Forgive me” es un tema de electro pop entre la Human League y Bjork. No llega a ser muy bailable, ya que un cierto toque oscuro está presente, al igual que el tema del arrepentimiento de manera casi obsesiva. Esta canción fue elegida como tercer single y contó con un video subido de tono donde podemos ver como se practica la prostitución y el voyerismo en un parque, algo mucho más habitual de lo que nos pensamos; como pieza audiovisual es todo un acierto, pues incluso siendo un videoclip duro consigue transmitir ternura, necesidad y desesperación. Tan solo Katie aparece en el video y su papel es irrelevante.

3. “Painful like”: Éste fue uno de los temas desvelados antes de la salida del disco. Se trata de un tema con pretensiones dance, muy luminoso, que marca claramente la diferencia con los temas del álbum anterior, mucho más oscuros. “Painful like” tiene una letra muy simple, pero a la vez muy efectiva sobre vivir libremente donde sea si no puede ser en tu ciudad. Podría ser un himno gay electro-indie; Stelmanis declaró en su día sentirse muy afortunada de vivir en una ciudad tan libre sexualmente como Toronto y que “Painful like” estaba dedicada a todos aquellos que no habían tenido la misma suerte. El tema contó con un curioso video donde la banda aparece con estética fluorescente y todo termina un poco de manera caótica con unos patinadores y hasta monstruos venidos de otros mundos.

4. “Sleep”: Podría titularse perfectamente “Drunk”, pues la sensación es que Katie nos está contando una experiencia íntima con alguien que conoces estando borracho; yo creo que a todo el mundo le ha pasado. Aquí lo interesante realmente es como los sintetizadores consiguen emular en un medio tiempo poco ortodoxo, esa sensación de falta de voluntad que nos transmite la letra.

5. “Home”: Se trata del single principal del álbum, y es simplemente todo un temazo desde el primer momento en el que comienza con ese piano machacón y Katie con esa voz inconfundible diciéndonos que no puede estar tranquila en la cama si no está su pareja con ella. A pesar de todo esto, estamos ante un tema bastante luminoso con algunos toques orientales. Lo curioso de “Home” es que es un tema que va in crescendo; llega a su culmen en la última parte para luego irse apagando poco a poco. En definitiva un tema incontestable, ya clásico en su repertorio. Por supuesto “Home” contó con su video donde podemos ver a los componentes del grupo en una sala en lo que parece ser los momentos que preceden a la salida al escenario. El acierto de este clip es el saber jugar y deformar esa naturalidad que muchos grupos intentan vender para crear una naturalidad impostada y artificial; todo es tan natural que no puede ser otra cosa que falso.

6. “Fire”: Estamos ante unos de los temas más interesantes a nivel instrumental de este álbum. Ese comienzo dramático con esas cuerdas sintetizadas y esos coros envolventes te atrapan para luego, sin abandonar ese dramatismo, ir hacia terrenos más dance siempre acompañado de las voces de Katie y las hermanas Romy y Sari Lightman. Un auténtico lujo.
7. “I don’t care (I’m a man)”: Actúa simplemente como pequeña introducción de apenas un minuto hacia la segunda mitad del álbum, con una letra mínima donde Katie parece ponerse en la piel de un misógino al que nada parece importarle excepto su propia satisfacción.

8. “We become”: Estamos ante uno de los temas en los que más se nota el trabajo de las voces de las gemelas Lightman. La melodía es una auténtica delicia: por un lado tiene un punto veraniego, pero por otro es melancólica y triste. Un medio tiempo que va de menos a más.

9. “Reconcile”: A veces en las segundas partes de los discos, éstos se desinflan; no es para nada el caso de “Olympia”. En “Reconcile” tenemos un tema de gran intensidad, potenciándose en el estribillo (lo cual compensa la simpleza de éste). De nuevo los coros y diversos juegos de voces están muy presentes, notándose el trabajo grupal que lo aleja de su álbum de debut.

10. “Annie (oh muse, you)”: Ciertamente sensual, moderadamente bailable combinando acertadas percusiones e influencias house, es de los temas en los que más se nota ese cambio entre el tinte gótico del primer álbum y la luminosidad de la obra que nos ocupa. Aquí Austra dejan la oscuridad y se abren a la luz.

11. “You changed my life”: Los primeros minutos de este tema podrían pertenecer perfectamente al primer y único álbum en solitario de Katie Stelmanis, ya que es una pieza agridulce tocada al piano. Sin embargo, en un momento dado la banda entra con Maya a la cabeza (su batería esta omnipresente en el tema) y se crea una melodía repetitiva que podría seguir minutos y minutos sin cansar. Desgraciadamente no pasa de tres.

12. “Hurt me now”: Austra se despiden con una pieza de alto contenido dramático. Sintetizadores abrasadores y derroche vocal. Puede recordar por su intensidad a temas como “The choke” de su disco anterior, pero yo pienso que “Hurt me now” es mucho más excesivo, algo a lo que Austra no tienen miedo ya que ellos son excesivos en más de un aspecto. El tema contó con un video un tanto siniestro donde aparecen una serie de extraños personajes en una sala bailando; entre ellos destaca una mujer verde que parece venida de otro planeta y cuya cabeza cortada acaba en las manos de Katie. Todo muy alegre.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
Ante la papeleta de resolver su segundo disco, Austra han salido más que airosos. No han repetido la fórmula del primero, muy al contrario han cambiado bastante el planteamiento. “Feel It Break” era un disco oscuro, muy electrónico, realizado mayormente por Katie Stelmanis en una habitación ayudada de ordenadores. “Olympia”, por el contrario, es un trabajo grupal donde el trío se ha visto convertido en sexteto aportando cada uno sus ideas, letras, música, etc.

El resultado es el de un disco mucho más orgánico, perfeccionista y luminoso que su debut. Lo curioso es que ambos discos se complementan perfectamente, cada uno mostrando las diferentes caras de Austra.

En cuanto a repercusión ha superado con creces la conseguida con su primer álbum, con lo cual podemos hablar claramente de triunfo, aunque aún son un grupo de culto y les falta bastante para entrar en los puestos más altos de las listas. Pero bueno, al menos han entrado, que es lo importante.

El futuro de Austra tras “Olympia” es prometedor a la vez que cambiante. Ya no son un sexteto, sino que han vuelto a la formación de trío (cuarteto en directo con Ryan Wonsiak a los sintetizadores). Las hermanas Lightman han dejado el grupo para consagrarse a su propio proyecto, Tasseomancy, y Katie ha declarado que el próximo lanzamiento de Austra irá en una onda mucho más electrónica. Al menos así lo atestigua el ep “Habitat”, que incluye cuatro temas no incluidos en “Olympia” de corte experimental con excepción de la canción que le da título. Esta canción, aunque se perfilaba como un single claro, terminó excluida de las sesiones de “Olympia” y ciertamente en cuanto a sonido pertenece más a “Feel It Break”, con lo cual es normal que se quedase fuera pero ante la presión de los seguidores del grupo decidieron finalmente darle salida en forma de ep e incluso dotar a la canción de un video que no deja indiferente donde podemos ver en unas habitaciones de hotel a una serie de parejas que pueden resultar incomodas a las mentes más conservadoras.

Maya por su parte sigue lanzando material como Princess Century, una vez desligada de Robert Alfons y Trust. Ahora solo falta que Katie, Dorian y Maya se vuelvan a meter en el estudio para volver a sorprendernos con un nuevo álbum que puede ser el que definitivamente les dé el empujón definitivo hacia el éxito.

Texto: Alfredo Morales.
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domingo, 6 de diciembre de 2015

Programa Peter Gabriel “4 (Security)” (Temporada 7/ Programa 4)

Decidimos elegir a Peter Gabriel y su quizás disco de estudio más complicado para el 4º programa de la 7ª temporada que se llevó a cabo el sábado 21 de noviembre de 2015 en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) en riguroso directo a las 16.00h.

El programa no ha dispuesto de redifusiones sucesivas los 2 siguientes miércoles a las 23.00h, ni el siguiente sábado a las 16.00h debido a que en estos momentos RUAH no está emitiendo en diferido y solamente tiene señal en directo. Por tanto, si no estuvieron escuchando el directo, aquí tienen la oportunidad ahora.

El programa fue el primer mano a mano de Mariano González (en rezo en espíritu en el cutre-montaje de rigor) y servidor de ustedes Víctor Prats, ya que en nuestro núcleo de colaboradores no hay ningún otro ferviente seguidor de la trayectoria de Peter Gabriel. Debido a la extensión de las canciones de este “4 (Security)”, solamente pusimos 3 temas en lugar de los 4 habituales.

Debido a la cierta complicación que puede ofrecer este disco, confiamos que con este programa hayamos conseguido hacérselo un poco más cercano. A continuación insertamos el reproductor para que escuchen el programa aquí mismo y el enlace a Ivoox donde está alojado por si prefieren descargárselo: http://www.ivoox.com/dmr-7-4-audios-mp3_rf_9614071_1.html
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viernes, 4 de diciembre de 2015

Temporada 7/ Programa 5: Kate Bush y “Never For Ever” (1980)

A colación de mencionar a la gran Kate Bush en el programa anterior que dedicamos a Peter Gabriel y su “4 (Security)”. Nos entraron ganas de hablar de “The Dreaming”. ¿Qué es lo que sucede? Que aún no está comentado por escrito en el blog (ya saben que para que le hagamos un programa de radio primero ha de tener su artículo de revisión tema a tema en el blog). 2ª opción era “Hounds Of Love”, pero resulta que en la 2ª temporada ya tuvo su programa de radio; ¿recuerdan?

Nos quedaba “Never For Ever”, que pasó por el blog hace 6 años y al que reivindicaremos como un disco clave dentro de la historia de Kate. Este disco abrió las miras musicales de la artista, desencorsetándose de las formas más clásicas de sus primeros 2 discos.

Este “Never For Ever” dejó atisbos del malditismo del siguiente paso discográfico, el citado “The Dreaming” y confirmó a Kate como artista grande más allá de ser una joven promesa.

Estaremos en el programa Mariano González en el teléfono y servidor en el estudio. La cita este sábado 5 de diciembre de 2015 a las 16.00h en directo en el dial de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH). Recuerden que no hay redifusiones en RUAH hasta nueva orden, así que no se pierdan el directo de este sábado.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1711347575760641
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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jueves, 3 de diciembre de 2015

Concierto Digo Detroit. Madrid (28-11-2015)

Contra varias adversidades tuvieron que luchar los barceloneses Digo Detroit en su visita a Madrid para presentar su nuevo EP “Ascendente”. Fallos de sonido, retraso en el horario que les impidió desarrollar todo el set list que tenían planeado, jugarretas técnicas, etc.. Aún así salieron solventes, ahora mismo les contamos.
Llegamos a la sala poco antes de las 21.30h. En el cartel ponía que desde las 20.30h comenzaba la velada con el grupo Multiversal a modo de artista invitado, pero por si acaso pregunté a Cookie de Promociones Sin Fronteras para no estar en la sala mil horas antes de que empiece la cosa realmente. Sin embargo, nada más abrir la puerta de la sala vimos que Digo Detroit estaban en escena (¿habremos llegado tarde?). Era la prueba de sonido y rápidamente un empleado de la sala amablemente nos invitó a que nos diera el fresco de la noche sin dejarnos decir ni media, informándonos que aún estaba cerrada la sala. Al menos sí que le saqué a qué hora sería conveniente que nos volviéramos a pasar. Por ello a las 22h puntuales estuvimos allí, siendo nuevamente muy amablemente atendidos en la puerta por el mismo empleado previo, y a los 2 minutos los Multiversal se plantaban en el escenario.
Multiversal, cuarteto compuesto por 4 chavales tremendamente jóvenes, se mostraron con soltura en el escenario. Dispusieron de un sonido limpio y perfecto que les permitió presentar las canciones del que será su EP “Realidades” (que sale a la venta el 2 de febrero de 2016) y ofrecer alguna versión respetuosa del “Devuélveme a mi chica” de Hombres G; no era casualidad, curiosamente, que 2 canciones antes me los imaginara como unos primigenios Bonitos Redford (nombre previo de los Hombres G) en actuaciones en Rockola antes de saltar al estrellato. Multiversal tienen madera. Tocan con dinamismo y sus composiciones son aceptables, con vistas a que en un futuro puedan dar más en el clavo. A nada que tengan una buena promoción, es una banda que por otro lado podrá disponer de una buena legión de groupies. A nosotros nos llamó la atención el batería, el cual en su forma de ponerse en la banqueta, tocar y algo en su aspecto, nos recordó lejanamente a Stephen Morris de Joy Division y New Order. Arriba y abajo de este párrafo pueden ustedes ver a los Multiversal.
Tras la vital y refrescante sesión de Multiversal, los componentes de Digo Detroit comenzaron a colocar su set de escenario lo antes posible coordinándose con la recogida del material de Multiversal e intentaron empezar lo antes posible para no acusar en exceso el “toque de queda” que tenían fijado. Sin embargo, un fallo técnico, con el grupo ya preparado para arrancar, provocó otros 3 minutos de retraso; Feli Cedeño, el cantante de Digo Detroit, salió del paso como buenamente pudo.
Arrancó finalmente la música y Digo Detroit comenzaron a ensamblar los temas de su nuevo “Ascendente” con algunas otras composiciones antiguas a las que revisaron su sonido/textura y con algún tema que ha sido descartado para este nuevo EP. “Temblar”, el single de relumbrón de “Ascendente”, apareció en el 2º lugar del set list y las adversidades de la noche al menos respetaron los minutos de protagonismo de esta canción tan representativa de Digo Detroit. A continuación les insertamos el video que grabamos de la misma.

Sin embargo, el grupo sufrió en exceso por momentos fallos en las mezclas. A Pilar Rodríguez había ocasiones en las que casi ni se la escuchaba en sus importantes coros y voces de apoyo a Feli y eso ensombreció el desarrollo de canciones del repertorio de Digo Detroit que son en sí bastante válidas y animadas. El grupo no desfalleció y puso la mejor de sus caras, máxime cuando ni siquiera pudieron disfrutar de un solo bis.
El desarrollo del concierto transcurrió bien medido en lo que orden del set list se refiere. Feli se afanó en intentar romper ese “perímetro de seguridad” que se crean en ciertos conciertos (cuando normalmente hay tortas por estar en la 1ª fila) y en intentar conseguir que el público que asistió a la sala Fotomatón coreara varios de los estribillos de los temas.
Y, como Feli (aquí arriba en primer plano) acertadamente dijo, es verdad que hay varios temas que se quedan rápidamente en la memoria; yo en estos momentos tengo el estribillo que dice “¿Cómo nos vamos a querer?” en mi mente, perteneciente a la canción “Encapsulados” que no se situó precisamente en el sector final del concierto. Abajo dejamos un primer plano de Pilar Rodríguez, teclista y voces de Digo Detroit.
No sabemos de quién fue la culpa de lo atropellado de la actuación del grupo, pero fue una lástima. Muchas veces, cuando pasa el tiempo y se logra el éxito, los grupos recuerdan con nostalgia estos conciertos dificultosos. Esperemos que sea el caso de Digo Detroit y este concierto sea una anécdota en el futuro cuando ya hayan venido otras veces por Madrid a recintos más grandes y con menos problemas en el desarrollo de su actuación.
No obstante, queremos concluir con buen sabor de boca, y es que si dejamos de lado la pulcritud no lograda en las formas, Digo Detroit sí que ofrecieron casi una hora de actuación llena de un pop melódico muy aprovechable y llevadero. Escogieron bien los temas que tenían que sonar y a pesar de que la forma en que sonaron no fuera la mejor versión, sí que se apreciaba un buen acierto en las melodías de las canciones. Nosotros al menos lo pasamos bastante bien. Terminamos el artículo agradeciendo a Cookie de Promociones Sin Fronteras, a la cual también Digo Detroit dieron las gracias en el concierto dedicándole el tema “Error”, que haya contado con “DMR” para poder informarles de este concierto.
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viernes, 27 de noviembre de 2015

Lori Meyers - Cronolánea (2008)

ANTECEDENTES E INTRODUCCIÓN.
Hace algunas fechas en una entrevista conjunta a Santi Balmes y Gonçal Planas salió el tema de la evolución del indie español en cuanto a aceptación popular de una década a esta parte (más o menos). En efecto tienen razón, podemos encontrar en nuestra escena musical una serie de grupos que podríamos calificar como… ¿indie mainstream? Repasemos: Vetusta Morla, Lori Meyers, Sidonie, Supersubmarina, Izal, Deluxe (y después Xoel López)… Artistas todos ellos bien conocidos y con razonable capacidad de llegar a la gente, pero que en algún momento son o han sido catalogados dentro de la música independiente. Que conste que a mí me parece de perlas, no obstante tampoco es infrecuente encontrar cejas enarcadas o gestos de desconfianza ante esta progresiva “popularización”. Como esta discusión entre “purismo” y “apertura” lleva visos de convertirse en ancestral me da mucha pereza continuarla, de modo que haré mía la frase del mítico líder de los Kinks, Ray Davies, al decir aquello de: “Música buena es la que me gusta”. El hecho de que alguien pueda vender 1.000, 100.000 o 1.000.000 me resulta irrelevante.

Lori Meyers es uno de estos grupos que han prosperado y han incorporado seguidores de fuera del indie y “Cronolánea” juega un papel importante en esta circunstancia. Es un disco bisagra, con resabios de sus primeros lp’s (“Viaje De Estudios” -2004- y “Hostal Pimodán” -2005-) y donde se aprecian, por otra parte, atisbos de búsqueda de un sonido que pueda ser más amplio. Y efectivamente hay nuevos enfoques y una paleta sonora más variada, todo ello sacrificando algo de vehemencia y fuerza guitarrera en favor de un mayor sentido melódico. También se confirman ciertas tendencias latentes anteriormente; tienes muchas posibilidades de que Lori Meyers te guste si eres aficionado al pop rock clásico de toda la vida de los años 60 y 70, incluyendo al español (a veces me da la impresión de que la influencia de Los Brincos se acrecienta por momentos). Todo ello nos lleva a melodías sencillas, buenas armonías vocales, luminosidad, melancolía no demasiado trágica y en general un aire… encantador. Lori Meyers hicieron un disco bonito, ni más ni menos. Ello no significa que “Cronolánea” sea un disco almibarado, cursi o blandito; también se conservan efluvios de power-pop brioso y enérgico que dan un toque de urgencia e inmediatez que evita que la música se azucare mucho.

Otro elemento importante para esa expansión a otros públicos es la necesaria existencia de hits, o por lo menos canciones con gancho. “Alta Fidelidad” es un single en toda regla, directo, potente, melodioso, tarareable y posiblemente una de las canciones más reseñables del grupo; a su modo un pequeño clásico del indie español de los últimos tiempos. Pero es que el resto de singles tienen también una considerable pegada, tal como veremos luego en el análisis del disco, siendo éstos las excelentes “Luces de neón” y “Luciérnagas y Mariposas”. Son canciones que pueden ser éxitos y probablemente reflejo de una ambición bienintencionada. Es decir, llegar a gente sin sacrificar señas de identidad o integridad artística.

Afortunadamente tenemos entre manos algo más que singles, pues el tracklist el relativamente largo (13 canciones) y apenas tenemos relleno, y el que hay es “aceptable”. Canciones como “La búsqueda del rol”, “Intromisión”, o “Copa para dos”, a modo de ejemplo, mantienen un nivel bastante elevado y eliminan cualquier temor de encontrarnos solamente ante un disco de singles. Hay otros factores que también ayudan a que el disco no se haga pesado ni mucho menos, y es el hecho de que la variedad ahora es mayor. Eventualmente encontramos arreglos de cuerda, guitarras acústicas, pianos, más tonalidades estilísticas, etc. Todo ello supongo que es fruto de una evolución personal, y quizá el nombre del disco lleve consigo esa significación. “Cronolánea” es una mezcla de “cronología” y “miscelánea”, o lo que resultaría de mezclar la madurez propia del paso del tiempo con una visión más variada en múltiples aspectos. Además nos encontramos ante el tercer disco, lo que supone una especie de barrera psicológica que, o bien conduce a la magnificación total o (las más de las veces) a la picota y a la lapidación. En esta ocasión no se siguió ninguno de los derroteros radicales y Lori Meyers salieron relativamente airosos, si bien por los motivos citados en el primer párrafo algunos desertaron. También es cierto que otros muchos se subieron. En cualquier caso la formación del grupo para este disco es: el carismático Antonio López (Noni) como voz principal y guitarra, Alejandro Méndez como voz secundaria y guitarra, Alfredo Núñez en la batería y Sergio Martín en el bajo. Y ahora, la música.

ANÁLISIS DEL DISCO.
1. “Intromisión”: Supongo que esta canción es un juego de palabras, al ejercer de “intro” del disco. Es una canción más o menos larga (5:32) donde los primeros minutos son instrumentales y bastante pomposos, con arreglos de cuerda incluidos. A mitad de canción irrumpe la pista vocal con fuerza y vocación saltarina. Buenas armonías vocales y pegadiza melodía se añaden al tema más preciosista del disco. También de los más luminosos.

2. “La búsqueda del rol”: Una canción bonita, incluso adorable. Pop conducido por un sutil y suavísimo punteo de guitarra, remitiendo a los años 60 en este aspecto y también en las voces. En el estribillo la cosa se anima y el ritmo es casi bailable. Al final todo resulta un juego de contrapesos entre lo delicado y rítmico, de tal modo que la canción no es caramelo puro, ni tampoco se pasa con la frivolidad. Letra tirando a melancólica sobre la búsqueda de sitio, identidades. etc. Muy buena.

3. “El secreto mejor guardado”: Pop animoso y alegre. Es una de las tres canciones que canta Alejandro, lo que significa que no es tan delicada pero tiene más jolgorio. Tono desenfadado y alegre que nos muestra que la esencia de Lori Meyers es coincidente con la esencia pop puro y duro bien clásico. Inicio muy disfrutable.

4. “Alta fidelidad”: Y Lori Meyers saca cierto airecillo macarra en este caso. Cabe decir que es uno de los singles por antonomasia de los granadinos y no por casualidad. Directa contundente, afilada, power pop en estado puro. Me parece que efectúa una buena compensación a la delicadeza de los anteriores cortes. Sencilla en estructura musical, también lo es en lo lírico. Parece que habla de un especie de “ni-ni” sin oficio ni beneficio, que encima echa la culpa a los demás de su situación. Imagínense a un especie de “Fumi De Morata” (obra y gracia de José Mota) encabronado con el mundo. La canción, eso sí, muy buena.

5. “Saudade”: Canción de corte acústico y relajado; melancólica y esperanzadora a un tiempo. Habla del tedio y la rutina compensado por el amor. En conjunto es una canción casi folk, reflexiva, y que no se complica la vida. Nuevamente canta Alejandro. No obstante tampoco es de lo más destacable, agradable sin más.

6. “Sin compasión”: Volvemos a coger arrestos y regresamos al pop rock con toques eléctricos. No es tan punzante como “Alta fidelidad” pero tampoco es tan delicado como algunos de los primeros temas, es por lo tanto un medio tiempo brioso y bien armado. La letra eso sí es más bien negativa: “Todo sigue igual o peor que ayer” dice el estribillo. Del mismo modo la voz de Noni no es tan luminosa como en otros cortes, sonando más apesadumbrada.

7. “Cúmulo de propósitos”: La canción es similar a la anterior pero con un toque más sutil. Es decir, estamos en los territorios del pop rock agridulce, a medio camino entre la melancolía y lo desenfadado. Recuperamos terrenos sesenteros de muy buenos fundamentos melódicos, sin complicaciones pero muy tarareables. Bonita canción.
8. “Luciérnagas y Mariposas”: En este caso distingamos lo estrictamente musical de lo vocal. Instrumentalmente, sobre todo si tenemos en cuenta el inicio, suena a rock clásico (más que a pop) y es una canción incluso con cierto músculo. La parte vocal es una de los elementos más hermosos que podemos encontrar en este disco, recuperando la delicadeza de otros cortes. Si juntamos las partes tenemos una muy bonita canción, sumamente emotiva, pero sin desplazarse para nada hacia el lado cursi. Excelente canción donde se palpa su influencia de Los Brincos.

9. “Funcionará”: Canción buenrollista musical y líricamente, que abunda en el pop rock amable y altamente melódico. La instrumentación empieza a hacerse patente en el estribillo, siendo el resto de la pista un vehículo para que el Noni cante. Es decir, no es que estemos inventando la rueda, pero tiene un punto populista y risueño que le hace tener cierto encanto.

10. “Transiberiano”: Una de las canciones más solemnes del disco y por lo tanto una huida del lado amable y naif de Lori Meyers. Se introduce un piano como novedad instrumental y tiene un ligero regusto (no me hagan mucho caso tampoco) a lo “Let it be”. Tiene cierta vocación de himno y aunque algo se nos empapa de tal propósito, tampoco creo que lo haga con la solidez suficiente. No obstante la canción no deja de ser bella; viniendo de este disco casi se le supone.

11. “Un mundo por delante”: Volvemos a una canción desenfadada y divertida, también de las más potentes. En esta ocasión las voces corren a cargo de Alejandro y el resultado es ciertamente divertido, sobre todo cuando alarga las estrofas al decir “no juegues a ser Diooooooos”. Es una vuelta en toda regla al power pop, conteniendo además una letra bastante doméstica sobre los problemas de una pareja para soportarse mutuamente. Nos dice Álvaro: “yo tampoco aguanto tus historias y tus frecuentes neuras de niña tonta”. Tranquilos, el estribillo es más conciliador. Además es una canción saltarina, leve, para divertirse.

12. “Luces de neón”: Uno de los platos fuertes del disco nos llega ya casi al final. De los singles éste es probablemente el más épico de todos. La fórmula es sencilla: una interpretación vocal más intensa por parte de Noni y un implacable ritmo de batería. La producción se orienta más a conseguir un efecto de pegada… Que además consigue. Pegadiza y sentida, la elección como single resulta impecable.

13. “Copa para dos”: Acabamos con una canción jolgoriosa y luminosa, que no obstante es meditabunda en los que a letra concierne. “¿Por qué todo es tan difícil, con lo fácil que es?” se preguntan Lori Meyers. Fácil parece acabar con una canción así, pero el caso es que uno tras escuchar el disco continúa tarareando y moviendo la cabeza al compás. De nuevo el pop se muestra en su magnífica y clásica sencillez. Un final con gracejo y dulzura.

RESULTADO, CONCLUSIONES Y REFLEXIONES.
No deja de ser un álbum de apertura y amplitud, en sus primeros discos, aunque solamente sea por proximidad geográfica, la sombra de Los Planetas era alargada y los vínculos eran inevitables y en muchos caso con razón. Aquí saltaban a un primer plano influencias que ya estaban anteriormente presentes pero de un modo más matizado. Una de ellas es sin duda el pop español de la época “ye-yé”, un estilo que en determinados momentos de nuestra historia musical hubiera significado fusilamiento al amanecer. De hecho, las semillas de este tipo de música ya habían germinado anteriormente en Lori Meyers (en 2005 lanzaron un ep donde versionaron “La caza” de Juan y Junior, canción de 1967), pero en este disco al despojarse de distorsión y de rudeza parece que ganan terreno. Soy consciente de que la moda revival surge periódicamente en infinitas variantes, pero no me deja de parecer meritorio conseguir material de éxito con un pilar musical que muchos pudieran considerar trasnochado (conste que no hablo por mí).

Queda claro que a partir de aquí comienza la época más masiva de Lori Meyers (en la cual siguen inmersos) dada la buena aceptación de sus singles y el tono más o menos accesible del conjunto de las canciones. La cosa continuó con un disco más mediático a todos los niveles, incluyendo un productor decididamente mainstream como Sebastián Krys (luego, no obstante, también produciría “Montaña Rusa” de Second) y un sonido mucho más sintetizado y ochentero. Hablamos de “Cuando El Destino Nos Alcance” (2010), un disco que efectivamente busca un público todavía mucho más amplio, sin que ello signifique una traición a unos principios insobornables o algo así. Cierto es que singles como “Mi realidad” o “¿A-Ha han vuelto?” pueden sonar en cualquier radiofórmula… Y dignificarla. Son singles pegadizos que cualquiera puede disfrutar pero muy gustosamente compuestos e interpretados. Aceptemos pues, que es probable que no vuelvan a lanzar una canción como “Tokyo ya no nos quiere”, pero creo que hay suficiente material como para que no se les caiga el monóculo a los puristas o a los exquisitos. Su última referencia es “Impronta” (2013) donde vuelven a un sonido más orgánico y se traen a un pope del indie español como Ricky Falkner al estudio. No obstante hubo cierto revuelo con el single “Emborracharme” y sus referencias más bien adolescentes al whatsapp (espero que en este caso la letra sea irónica, porque si no… Glups), pero al final ha sido “aceptado” porque por lo menos en lo musical cumple bien. Digamos que es un disco mucho más parecido melódicamente a “Cronolánea”.

En fin, que el disco que nos ocupa es sin duda básico para comprender la popularización de Lori Meyers y claramente una buena piedra de toque para iniciarse con los granadinos. En cualquier caso, si hubiera que resumir en una frase la esencia del disco diríamos que viene a ser un buen álbum de hermoso pop en español. Que no es poco.

Texto: Mariano González.
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martes, 24 de noviembre de 2015

DMR cubrirá el concierto en Madrid de Digo Detroit (28-11-2015)

Parecía que no, por motivos personales, pero al final estaremos presentes en el concierto que el cuarteto de Barcelona Digo Detroit ofrecerá este sábado en la sala Fotomatón (muy cerquita de Plaza España, para que se sitúen) de Madrid. El grupo viene a presentar en directo su nueva entrega discográfica, el ep “Ascendente”.

La cita, véase el cartel, se anuncia tempranera (20.30h). Esperemos que así sea y a esa hora estén sobre las tablas los chicos de Multiversal, que son los artistas invitados de Digo Detroit para esta ocasión. Las entradas las pueden adquirir en la misma sala al módico precio de 6 euros o anticipadas en Ticketea.

Siempre es interesante descubrir grupos y mejor si es viéndolos en directo. Si no conocen a Digo Detroit es una buena ocasión por muchos motivos: sábado, céntrico, precio asequible. En todo caso, si no se animan, aquí contaremos a posteriori lo que haya dado de sí el evento. Agradecemos a Cookie de Promociones Sin Fronteras que haya contado con “DMR” para poder informarles de lo que suceda en la Fotomatón este próximo sábado.
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domingo, 22 de noviembre de 2015

Programa Fleetwood Mac “Rumours” (Temporada 7/ Programa 3)

Fue un placer realizar un programa sobre el disco más celebrado de la trayectoria de Fleetwood Mac. “Rumours” tuvo nuestro merecido tributo el pasado 7 de noviembre de 2015 a las 16.00h en la sintonía de Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH) y de ello nos encargamos Luis Felipe Novalvos y servidor en estudio y Mariano González (otra vez en formato “cutre-montaje” en la foto) vía telefónica.

Como en RUAH seguimos con actualización de automatizaciones, este programa no ha contado con las redifusiones que le hubieran tocado los miércoles 11 y 18 de noviembre a las 23.00h, ni el sábado 14 a las 16.00h. Por tanto, si no lo escucharon en directo ahora es cuando podrán hacerlo por 1ª vez.

Sonaron canciones realmente fabulosas que forman parte de este mítico disco de la historia del rock y apuntamos varios aspectos sobre la creación del álbum y las relaciones entre los componentes de Fleetwood Mac que supongo que se puedan ser de interés.

A continuación dejamos el link a Ivoox por si desean descargarse el programa y el reproductor aquí mismo insertado para que no tengan que desplazarse a ningún otro sitio por si desean escucharlo:  http://www.ivoox.com/dmr-7-3-audios-mp3_rf_9468320_1.html
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viernes, 20 de noviembre de 2015

Temporada 7/ Programa 4: Peter Gabriel y “4 (Security)” (1982)

En su día, cuando comentamos el disco en artículo tema a tema en el blog, no era una muy acertada época del año para meternos con el disco que va a protagonizar nuestro próximo programa de radio de la 7ª temporada. Creo que el final del otoño le sienta mejor al 4º disco de estudio de Peter Gabriel que las puertas del verano.

Y es que este disco a ratos tan inaccesible del que en su día lideró a los Genesis, por su toque experimental y a ratos oscuro le pegará muy bien al próximo sábado 21 de noviembre de 2015. La cita será en Radio Universitaria de Alcalá de Henares (RUAH), en riguroso directo a las 16.00h como es habitual.

Mariano González, quien junto a mí será la única voz que hablará sobre este artista y disco, fue quien me propuso esta opción tras rebuscar en el fondo de catálogo del blog para este programa (ya saben que es costumbre que el disco haya sido comentado por escrito por aquí antes de que le hagamos un programa de radio).

Esperamos que el programa sea de su agrado y les ayude a entender mejor a este disco, el cual quizás sea el más complicado de la discografía en solitario de Peter Gabriel.

Links de interés:
Evento en Facebook: https://www.facebook.com/events/1523683891279478
Emisión on-line RUAH: http://www.ruah.es/online.html
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jueves, 19 de noviembre de 2015

Concierto Texas. Madrid (17-11-2015)

Motivado, entre otras cosas, por ser un apropiado regalo para el cumpleaños de mi novia, el pasado martes 17 de noviembre nos desplazamos hasta el recinto del Palacio Vistalegre para ver por primera vez a la banda liderada por Sharleen Spiteri. Texas volvían a Madrid tras 2 años (de la cita de 2013 ni me enteré) para celebrar sus 25 años de trayectoria y lo hacían dentro de un ambiente previo de alta expectación, ya que llegamos a eso de las 20.15h, unos minutos tras la apertura de puertas, y la cola que había era enorme.
Consecuencia de ello, cuando llegamos a la sala del interior (no tuvo lugar en el ruedo principal el concierto; el recinto fue el mismo donde se llevó a cabo la fiesta de entrega de los Premios 20Blogs de 2009, por cierto), no había muy buenas posiciones y conseguimos situarnos al lado de una columna, ladeados a la derecha según se mira al escenario, en una 7ª u 8ª fila. Por cierto, poco antes de comenzar la actuación hubo lugar para que unas muchachas con mucha cara se hicieran hueco apiñando a la gente que estábamos por esa zona, con mala reacción (pero muy lógica por otro lado) por parte de los que ya estaban ahí situados hacía muchos minutos.
Poco después de las 21h, hora fijada para el inicio de la actuación, sin teloneros previos, salieron, después de que sonara “Polo mint city” en cinta como intro, Sharleen y Tony McGovern para comenzar con “Start a family”. A partir de ahí se sumaron el resto de componentes y el concierto fue poco a poco cogiendo peso. En el tramo inicial tuvo mucho que ver “When we are together”, uno de los singles más animados y de sonido de celebración de Texas que agradó mucho (a destacar la larguísima ovación al terminar esta canción) a un público realmente entregado a los encantos en todos los sentidos de Sharleen, ya que esta muchacha escocesa se mostró muy simpática durante las 2 horas de concierto ofrecidas e incluso esforzándose en hablar en algún momento en español. Arriba y debajo de este párrafo vemos un par de fotos de la primera canción interpretada del set list.
En este sector inicial hubo lugar para clásicos reconocibles de Texas, pero más del perfil bajo como “Everyday now”, que iban trazando la línea ascendente del show. A eso de mitad de la actuación, y tras una pausa musical en la que Spiteri nos estuvo contando una historia personal de mediados de los 90 y que en definitiva desembocaba en el motivo de una canción, Texas insertaron un trío de temas que terminaron de abrir la emoción entre la audiencia (y sobre todo hablo por mí).
El caso es que la canción de la que Sharleen nos contó su génesis, era “In demand”. Esta preciosa balada pop, que dispuso quizás de uno de los mejores videoclips de la banda con Sharleen en actitud romántica con el veterano Alan Rickman, la sirvieron en formato acústico y sonó gloriosa en su versión de más de 6 minutos que tocaron en esta actuación. Aquí el video que muestra este pasaje tan bonito y sentido del concierto de Texas.

Pero ahí no terminaba la cosa, se ve que no era momento para dar marcha atrás o bajar un paso en la escala de intensidad y su gráfica para luego remontar. Texas pisaron el acelerado y a continuación sonaron los acordes sureños tan cálidos que anunciaban que era el turno de “I don’t want a lover”. Y con este primer gran éxito mundial de la formación siguió el show. Aquí abajo, muy oscurecido por los malditos focos morados que tanto imposibilitan llevarse un buen recuerdo fotográfico, está Tony McGovern, el músico que más cerca nos cogía de nuestra posición; del resto no hicimos foto (era tarea imposible sacarles de forma mínimamente nítida con nuestra Olympus de 2006).
El terceto de locura de este sector del concierto se completó de forma inesperada para mí con mi otra gran debilidad sonora del grupo: “Halo”. El que fuera 2º single de relumbrón en España tras la efectiva “Say what you want”, sonó igual de pletórica que en estudio. No faltó nada en su instrumentación y sus notas volaron sobre la sala igual de épicas y obsesivas que siempre. Sharleen no defraudó y mantuvo los agudos del estribillo de manera soberbia. Grabé la canción, sin demasiado buen enfoque (la iluminación de la sala tampoco permitió buenas fotos a la distancia que estábamos) y con mucho movimiento de imagen por la lógica emoción de vivir en directo una canción que tanto me ha gustado siempre. Por tanto, el video tampoco está muy allá, pero aquí se lo inserto a continuación (se escucha, eso sí, mejor que en otras ocasiones).

Con “Halo” e “In demand” ya tachadas de mis obligadas a escuchar, solamente quedaba una especialmente que deseaba escuchar. Me estoy refiriendo a “Inner smile”. Y es que, no me negarán ustedes lo bien que seleccionó Texas sus singles para el Grandes Éxitos que sacaron en su día. “Inner smile” llegó en los bises, donde Sharleen y los suyos hicieron una propina muy Elvis, ya que además de este temazo en el que, recuerden, en cuyo video Sharleen Spiteri se disfrazaba e imitaba al señor Presley, el concierto terminó con una versión animadísima del “Suspicious minds”. Por cierto, el video que ahora les inserto de “Inner smile” lo grabé con mi móvil; el sonido es mucho más saturado y la calidad de la imagen peor. Es lo que hay (bajen el volumen a casi el mínimo).

Quizás terminar con una versión no fue lo más acertado y más cuando Texas podrían haber finalizado con un tema propio que hubiera agradado más si cabe. De los que no recordaron y de los que eché en falta, me imagino por ejemplo el “Put your arms around me” del “White On Blonde”, que en formato íntimo y personal hubiera puesto el vello de punta a todos; y es que hubo muy poco espacio para momentos calmados y Texas ofrecieron un show muy animado en sus casi 2 horas de actuación. Con luz amarilla de fondo conseguí en la foto de aquí abajo un mejor primer plano de Sharleen.
He comentado hasta mitad del concierto y luego me he ido a los bises. Bueno, queda la 2ª mitad del concierto donde se situaron una cantidad de singles de gran éxito que supusieron un carrusel de emociones desbordadas. Por ahí anduvieron los sencillos del “The Hush” (disco que en su día se compró mi novia original). Primero sonó “In our lifetime” y hacia el tramo final del concierto la efectiva “Summer son”. En una posición correspondiente a sus galones, justo antes de parar para los bises, estuvo “Say what you want”, que transmitió sus sonidos de mesura y belleza musical a raudales que tiene. Aquí les dejo un fragmento que grabé de este clásico de la historia del pop.

El otro single que nos faltaba de “White On Blonde”, “Black eyed boy”, no podía faltar y también estuvo en la traca final de set list antes de que el grupo parara para luego volver con el ya comentado bis. Menciono también en la 2ª parte de concierto a “Guitar song”, que fue defendida con soltura y destreza en un tramo de actuación donde tenía duras competidoras de listado.
Se completaron 2 horas de concierto y aunque nos esperábamos quizás un retorno más al escenario por parte de la banda ante una respuesta tan entregada, no hubo lugar para más. Salimos como pudimos por los accesos ratonera de la sala del Palacio Vistalegre (deberían plantearse habilitar los 2 accesos para el desalojo post actuación, la verdad) y tiramos para casa bastante contentos.
Los motivos de satisfacción son evidentes. Primero de todo, Texas ofrece un repertorio pop de muy buen gusto que siempre es sinónimo de éxito y más aún cuando el mismo se basa en sus temas más celebrados. Sharleen ayudó mucho a que la satisfacción fuera tal. No me esperaba que la Spiteri fuera una seta, ni mucho menos, pero superó mis expectativas de simpatía. Incluso subió a un fan, lo cual se ve en la foto de arriba de este párrafo, con poco ojo (mira que escoger a un mexicano entre tanto español cuando actúas en Madrid) al que regaló un disco firmado y un momento que jamás podrá olvidar. El resto de la banda escuda genial a Sharleen Spiteri, la cual no hizo alardes, como es tradicional en su estilismo, y salió al concierto con un pantalón tipo del del video de “Say what you want” y un jersey que (lo siento, pero voy a soltar la bromita) del tipo “¿Dónde está Sharleen?”.
Además, en cuestión de set list, es de las veces en las que se han satisfecho mis deseos principales sin faltar ni uno, ya que la solicitud de “Put your arms around me” tampoco me hirió en exceso y pensar que en plan rareza se incluya algo como “Drawing crazy patterns” es más que descabellado siendo realistas.
Si a todo esto, y teniendo en cuenta el IVA cultural tan alto que tenemos en España, le sumamos que el concierto tuvo un precio tan asequible (en comparación con los disparates que otras bandas de igual o menor estatus solicitan), la cosa resulta si cabe más agradable. Consecuencia: otro grupo tachado de mi lista de “pendientes de ver” y una experiencia de concierto que quedará en mi memoria en una muy buena posición.
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